domingo, 19 de marzo de 2017

Héroes de carne y hueso

héroes



TÍTULO: "Héroes"
AUTOR: Gerald Sibleyras
VERSIÓN: Tamzin Towsend y Chema Rodríguez-Calderón
DIRECCIÓN: Tamzin Towsend
INTÉRPRETES: Luis Varela, Juan Gea e Iñaki Miramón


Estamos en Francia en 1960. Gustave, Henri y Philippe son veteranos de guerra y viven en la misma residencia, por eso se han hecho amigos.
En la obra “Héroes” podemos verles con sus sueños, sus ilusiones, frustraciones y achaques, pero sobre todo con sus ansias de no sentirse solos, de que se les necesite, de que se les eche de menos.

El autor de héroes es el dramaturgo y también actor francés Gerald Sibleyras, y en este caso, la versión española nos la han traído la directora Tamzin Townsend y Chema Rodríguez-Calderón.

En el programa de mano, la directora califica esta función como una “comedia ácida” en la que detrás de la risa hay tristeza. Yo la calificaría más bien como una “comedia agridulce” porque efectivamente las carencias y las necesidades insatisfechas del ser humano están presentes, pero además de momentos graciosos, también hay momentos dulces en los que los personajes casi sin pretenderlo, nos muestran su cara más humana haciéndose merecedores del cariño del público.

En el año 2006, esta obra recibió en Londres el premio Lawrence Olivier a la mejor comedia. No sé si tal distinción es exagerada o no, ya que la historia no es nada novedosa, aunque pensándolo bien, no se ha escrito nada nuevo desde los griegos. Todas las historias hablan al fin y al cabo de lo mismo, de seres humanos. Ésta no es una excepción.

Gustave, Henri y Philippe, son veteranos de guerra, sí, pero no dejan de ser unos héroes de carne y hueso con los que cualquiera de nosotros podría sentirse identificado.

En realidad, lo que más destacable me parece de esta función son sus 3 estupendos intérpretes: Juan Gea, Luis Varela e Iñaki Miramón. Ellos son las 3 patas que sostienen esta historia y estoy segura de que sólo con cambiar a uno de ellos, “Héroes” resultaría muy distinta. No sé si mejor o peor, pero muy distinta.

Como ya he dicho en otras ocasiones, es un auténtico placer ver a los actores disfrutar tantísimo sobre el escenario, se lo pasan muy bien y eso se contagia. A mi juicio, son ellos 3 los que sobre todo consiguen que enseguida estemos interesados en seguir las peripecias de estos 3 amigos. Porque una vez más lo digo: para ver buen teatro lo imprescindible es un texto, unos buenos intérpretes y un público deseoso de que le cuenten una historia. En “Héroes”, estos tres elementos están presentes. Ahí lo dejo.

domingo, 19 de febrero de 2017

La respiración o el surrealismo hecho teatro




TÍTULO: "La respiración"
AUTOR: Alfredo Sanzol
DIRECTOR: Alfredo Sanzol
INTÉRPRETES: Pau Durá, Verónica Forqué, Nuria Mencía, Pietro Olivera, Camila Viyuela, Martiño Rivas.

Sólo el que ha vivido una ruptura sentimental tras una relación de muchos años, puede entender lo que se siente. Pero si cualquier persona que no lo haya experimentado acude a ver la obra “La respiración” de Alfredo Sanzol” podrá hacerse una idea bastante aproximada.

En esta obra la protagonista es Nagore, una mujer a la que su marido dejó por otra hace un año, tras una relación de 15. Nuria Mencía interpreta brillantemente a esa mujer hundida a la que le cuesta conciliar el sueño por las noches al darse cuenta del vacío de su cama, pero también a esa otra parte de sí misma que quiere salir adelante como sea.

Busca ayuda en su madre, la gran Verónica Forqué, esa actriz que cuando se mete en un personaje te hace olvidar todos los que haya podido interpretar con anterioridad. ¿Y cuál es el consejo que le da su madre? Que se deje llevar por la imaginación, porque la imaginación también es una fuente de sanación.

Todo lo que ocurre a partir de ahí, ¿es realidad o es ficción? No lo desvelaré porque creo que es preferible preguntárselo a uno mismo a medida que se va avanzando en la contemplación de la obra.
Lo que sí diré es que algunas de las cosas que suceden son absolutamente surrealistas, ¿o no? No lo sé, para mí sí que lo son, aunque eso no evita que cualquiera pueda pasar un buen rato viendo esta función.

Porque a pesar de que el tema que se trata es duro, cómo afrontar una separación, Alfredo Sanzol ha querido retratarlo en clave de comedia, una comedia que a veces nos hace simplemente sonreír y que en otras ocasiones provoca carcajadas. Eso sí, a mi juicio, las reflexiones más interesantes que se nos plantean vienen por la boca de Nagore cuando se encuentra abatida y sin fuerzas, creo que esas consideraciones hechas desde el drama son las que más permanecerán en la mente de los espectadores.

De lo que no cabe duda es de que “La respiración” es una apuesta valiente de Sanzol para retratar una problemática muy común en nuestra sociedad de una manera completamente novedosa.

domingo, 22 de enero de 2017

Panorama desde el puente, una obra de actualidad





TÍTULO: "Panorama desde el puente"
AUTOR: Arthur Miller
TRADUCCIÓN: Eduardo Mendoza
DIRECCIÓN: Georges Lavaudant
INTÉRPRETES: Eduard Fernández, Francesc Albiol, Mercè Pons, Marina Salas, Bernat Quintana, Pep Ambròs, Rafa Cruz y Sergi Vallès

Por algo Arthur Miller es un clásico moderno. “Panorama desde el puente” se estrenó por primera vez en 1955, pero parece que se hubiese escrito ayer por la tarde. Y lo que es más y lo que es peor, probablemente, dentro de 50 años, su mensaje seguirá estando tan vigente como hoy en día.

La versión que actualmente podemos ver sobre las tablas está dirigida por el autor y director francés Georges Lavaudant y traducida por Eduardo Mendoza. Ahí es nada.

La verdad es que estamos ante un texto que engancha desde la primera línea, o al menos a mí me atrapó desde la primera frase. Con la aparición en escena de Alfieri, ese narrador omnisciente que hace el papel de testigo de la acción y que al mismo tiempo representa a uno de los personajes que tomarán parte en la acción, el abogado. Ya desde ese primer parlamento el público puede intuir que se avecina una tragedia, pero no quiero adelantar acontecimientos. ¿De qué va “Panorama desde el puente”?

Es difícil decirlo sin destripar parte de lo que va a ocurrir después, así que sólo diré que en esta obra conocemos a Eddie, un estibador afincado en Brooklynn que trabaja duro para mantener a su esposa, Beatrice, y a su sobrina huérfana Catherine, a la que adora. Al comienzo de la función nos enteramos de que unos primos italianos de Beatrice van a llegar a Brooklyn para tratar de ganarse el pan y, al menos durante el principio de su estancia, se instalarán en casa de su prima y de Eddie.

Son muchos los temas que Miller introduce en esta obra: la inmigración, el rechazo a lo diferente, la familia, el amor, el sexo, los celos... pero para ver cómo están tratados lo mejor es que os acerquéis a ver la función.

Baste decir aquí que el reparto está encabezado por Eduard Fernández que encarna a Eddie dándole todos los matices que el personaje requiere, que son muchos, porque Eddie es ante todo un personaje complejo, un buen hombre lleno de contradicciones y, por supuesto, defectos.

La parte femenina del elenco está conformada por Mercè Pons en el papel de Beatrice y Marina Salas en el de Catherine que podría decirse es la desencadenante de todos los conflictos de la función. Esta última, Marina Salas, ha supuesto para mí todo un descubrimiento por su frescura y su buen hacer, ya que aunque la había visto en algunos papeles televisivos, lo cierto es que nunca antes me había impactado como ahora.

Hay algo que no entiendo demasiado bien en cuanto a la puesta en escena diseñada por Jean-Pierre Vergier, ¿por qué utilizar esas butacas y sillas que no guardan una unidad en cuanto al estilo? Me gustaría que alguien me lo explicara porque sospecho que significan algo que yo no he sido capaz de descifrar.

Por lo demás, sólo me queda animar a todo el mundo a ir a ver esta obra de 1955 y a descubrir su rabiosa actualidad.



sábado, 31 de diciembre de 2016

Mis espectáculos de 2016




Otro año se nos va. Esta vez le toca a 2016 que precisamente se va habiéndome dejado 16 espectáculos que van desde la comedia a la tragedia pasando por algún concierto y alguna comedia musical. Aquí tenéis la lista.


No ha estado mal. Ojalá el 2017 nos traiga mucha salud, trabajo, amor y más espectáculos en directo para disfrutar, sufrir, y en una palabra, sentir.


¿Qué espectáculos en directo habéis visto vosotros este 2016?

domingo, 27 de noviembre de 2016

Mujeres al poder


la asamblea de las mujeres



TÍTULO: "La Asamblea de las mujeres"
AUTOR: Bernardo Sánchez
DIRECTOR: Juan Echanove
INTÉRPRETES: Lolita, María Galiana, Miriam Díaz-Aroca, Pedro Mari Sánchez, Luis Fernando Alvés, Concha Delgado, Segio Pazos, Bart Santana, Santiago Crespo

El espectáculo comienza de forma prometedora, con un número musical protagonizado por Pedro Mari Sánchez que hace presagiar que nos encontraremos con un gran número de ellos a lo largo de la función.

En la siguiente escena vemos como las mujeres atenienses organizan la puesta en práctica de su plan para conseguir que los hombres les cedan el gobierno de la ciudad. Destaca aquí Lolita que en la piel de Praxágora, asume el protagonismo de la acción de forma brillante. Menos mal que poco a poco parece que los directores se van dando cuenta de su inagotable talento.

Creo que no destripo nada del argumento al afirmar que las mujeres consiguen su propósito. A partir de ahí se suceden las escenas en las que se pone de manifiesto la opinión de los varones atenienses así como algunas pinceladas de los cambios sociales y organizativos que tienen lugar con el nuevo gobierno.

A mi juicio, esta parte de la función cojea argumentalmente aunque es cierto que tiene varios golpes que hacen reír al público. Personalmente me esperaba una comedia mucho más musical, al estilo de “El eunuco”. En realidad aquí sólo hay dos número musicales, el primero que ya he mencionado y una chirigota al final donde Lolita vuelve a mostrar todo su arte (hay que ver cómo mueve las manos esta mujer y qué dominio de la voz tiene).

También hay un número de baile que aunque muy bien ejecutado me parece un poco fuera de contexto.

¿Recomiendo ir a ver “La Asamblea de las mujeres”? Sí, no os equivoquéis por lo dicho hasta aquí, claro que la recomiendo, es una obra muy entretenida y el público la disfruta, eso sí, no es redonda y creo que con ese argumento se le podría haber sacado un mayor partido.

domingo, 20 de noviembre de 2016

Tierra del fuego, crónica de un conflicto irresoluble




TÍTULO: "Tierra del fuego"
AUTOR: Mario Diament
VERSIÓN: David Serrano
DIRECCIÓN: Claudio Tolcachir
INTÉRPRETES: Alicia Borrachero, Ben Temple, Abdelatif Hwidar, Juan Calot, Malena Gutiérrez, Hamid Krim

¿Será el ser humano alguna vez capaz de poner fin a ciertos enfrentamientos? “Tierra del fuego” nos acerca a uno de esos conflictos que parecen no tener fin: el judeo-palestino.

No es fácil ser objetivo ante un tema de este calibre y sin embargo el texto de Mario Diament lo consigue, o al menos lo consigue prácticamente. Yael es una mujer judía que fue víctima de un atentado en el que su mejor amiga falleció y ella resultó herida. 23 años después visita en prisión al terrorista que atentó contra sus vidas.

Ella, magníficamente encarnada por Alicia Borrachero, es la que nos va llevando de la mano por esta problemática y con ella conocemos los diferentes puntos de vista de los implicados: las vícitmas, los terroristas, los abogados de los terroristas, los familiares de las víctimas... Todos están representados aquí, todos tienen sus razones para actuar como actúan y pensar como piensan.

Decía que la obra es prácticamente imparcial porque algunos puntos de vista se nos plantean con más peso en la función, pero no obstante, es lo más equilibrado que yo he visto nunca en lo que a este conflicto se refiere.

Pese a tratarse de un texto profundamente reflexivo, podría decirse que la función es trepidante puesto que te atrapa desde la primera frase y no te suelta hasta que cae el telón definitivamente. Una puesta en escena absolutamente sobria subraya la fuerza del texto para que nada distraiga la atención del público de lo único importante aquí: las personas.

Me gustaría pensar como el director, Claudio Tolcachir, que desde el programa de mano fantasea con que obras como ésta nos permitan borrar fronteras y volvernos más humanos. No sé si será posible, ojalá, aunque a mí de momento se me antoja que ciertos conflictos son prácticamente irresolubles. En cualquier caso, siempre merecerá la pena sentarse a reflexionar ante espectáculos de esta envergadura puestos en pie por un equipo con tanto talento.

domingo, 13 de noviembre de 2016

La vida pasa con la velocidad del otoño


la velocidad del otoño



 TÍTULO: "La velocidad del otoño"
AUTOR: Eric Coble
ADAPTACIÓN: Bernabé Rico
DIRECCIÓN: Magüi Mira
INTÉRPRETES: Lola Herrera y Juanjo Artero

Lleva una racha de papeles Lola Herrera en los últimos años, con los que siempre me deja los ojos llenos de lágrimas. Lo hizo con “En el estanque dorado” y ahora lo ha vuelto a hacer con la obra de Eric Coble “La velocidad del otoño”.

¿De qué habla esta función? De la vida misma, pero sobre todo, de la rapidez con que pasa: del deterioro que a veces sufrimos al acercarnos al final, del apego que tenemos a nuestras cosas, del miedo al cambio...

De todo eso nos habla Lola Herrera en la piel de una mujer que se enfrenta a sus hijos porque quiere pasar lo que le queda de vida en su casa de siempre. El espectador no conoce la postura de sus hijos mayores mas que a través de ella, pero sí conoce a su hijo más pequeño, Cris, que llevaba 20 años ausente de la familia.

Juanjo Artero encarna a ese Cris, ese hijio menor y rebelde que según podemos percibir a medida que se desarrolla la obra, es el ojito derecho de su madre. No es la primera vez que Juanjo Artero y Lola Herrera trabajan juntos, ya lo hicieron hace años en “6 clases de baile y 6 semanas” y la química entre ellos es evidente. Dan a esta relación materno-filial tal verosimilitud que no te puedes imaginar a otra madre para ese hijo ni a otro hijo para esa madre.

El texto de Coble adaptado por Bernabé Rico es rápido y fluido. La dirección de Magüi Mira es, como ya nos tiene habituados, sutil y al mismo tiempo altamente eficaz. Cuando estás viendo esta función no tienes la sensación de estar viendo teatro, la realidad desaparece a tu alrededor y sólo tienes la impresión de estar presenciando algo muy íntimo entre una madre y su hijo.

Y eso a pesar de que tiene momentos que son puro teatro, como esos en los que el personaje de Cris relata a su madre ciertos acontecimientos de los que ha sido testigo, y el espectador pinta en su mente esos hechos sólo por obra y gracia de las palabras que escucha.

En los textos publicitarios sobre este texto se dice que es una obra divertida, no negaré que tiene momentos en los que te saca una sonrisa, pero más allá de eso, a mí me parece sobre todo una obra profunda que dará que pensar a todo el que la vea.

La vida pasa rápido, mucho más de lo que nos gustaría, y merece la pena que pase viendo obras como ésta.