domingo, 29 de mayo de 2016

Losers que no siempre pierden




TÍTULO: "Losers"
AUTORA: Marta Buchaca
DIRECTOR: Guillem Clua
ESCENOGRAFÍA: Sebastià Clua
INTÉRPRETES: María Pujalte y Vicente Romero


Las comedias románticas están por todas partes y normalmente casi todas son más de lo mismo: chica conoce chico, se enamoran, se casan y... ya no sabemos nada más de ellos. Losers no es así, bueno, un poco sí, pero no del todo. Losers es una comedia romántica pero tiene un punto diferente.

En ella conocemos a Sandra y a Manuel, dos personas que hasta el día de hoy, cuando ya han cumplido los 40, no se puede decir que hayan tenido demasiada suerte, ni en el amor ni en nada. Esto no quiere decir que sean seres infelices, pero sí que son conscientes de que les falta algo porque parece que la sociedad en la que vivimos está construida pensando en la pareja.

Marta Buchaca, una dramaturga a la que confieso que desconocía, ha escrito una comedia muy actual en la que muchos espectadores podrán verse reflejados a sí mismos o a las personas de su entorno. La obra está firmemente enmarcada en nuestros días y llena de referencias a las nuevas tecnologías, las redes sociales, el hecho de buscar pareja por internet y un montón de temas que son omnipresentes en la actualidad.

En esta función hay momentos muy divertidos pero me atrevería a decir que “Losers” es bastante más que una simple comedia. Si miramos un poco más allá descubriremos una crítica de nuestro modo de vida y también una acertada disección de la vida en pareja porque “Losers” no es la típica comedia en que todo ser termina cuando el chico y la chica se juntan, no. Pero eso es mejor que no os lo cuente y lo descubráis por vosotros mismos.

Evidentemente un espectáculo de estas características no se sostendría sin dos brillantes interpretaciones. En este sentido María Pujalte y Vicente Romero son dos valores seguros. Curtidos durante muchos años en el género de la comedia se las saben todas para hacer las delicias del público y encarnan a una Sandra y a un Manuel que pronto nos resultan tan familiares como si les conociéramos de toda la vida.

Querría destacar también la versátil escenografía de Sebastiá Brosa que cumple la doble función de ser práctica e imagínativa.

En suma, “Losers” es una comedia que todos deberíais ver porque os hará reír pero también pensar y esa es una de las prinicipales funciones que debe cumplir el teatro.

domingo, 15 de mayo de 2016

Reikiavik, mucho más que una partida de ajedrez



TÍTULO: "Reikiavik"
AUTOR: Juan Mayorga
INTÉRPRETES: César Sarachu, Daniel Albaladejo, Elena Rayos
DIRECTOR: Juan Mayorga


No tengo ni idea de jugar al ajedrez, no sé cómo se mueve ninguna de las piezas. Tampoco es que sea muy ducha en la historia de la guerra fría aunque me suena algo más de cuando la estudié en el colegio. Por estas razones estaba un poco reticente a ir a ver “Reikiavik” la obra de Juan Mayorga de la que había escuchado críticas muy elogiosas. Pero bueno, finalmente y ya que una de las paradas de su gira me pillaba cerca, me decidí a ir.

Reikiavik nos cuenta de una manera muy original la historia de la rivalidad ajedrecística de dos grandes: Bobby Fischer y Boris Spasski que durante un campeonato mundial de Ajedrez fueron poco menos que los adalides involuntarios de los dos grandes bloques enfrentados en la guerra fría: Estados Unidos y la Unión Soviética.

Así, con esta función, Juan Mayorga nos imparte una lección de historia a través del relato de un hecho puntual y podría parecer que no tan trascendente desde el punto de vista histórico. Eso me ha gustado porque realmente son los pequeños acontecimientos los que conforman la historia, y es cierto un ligero cambio en ellos puede llegar a trastocar todo lo que nos rodea.

Los tres actores que vemos sobre el escenario en “Reikiavik” hacen un ejercicio que va más allá del más difícil todavía, puesto que se enfrentan al reto de contarnos la historia con muy pocos, casi ningún elemento de atrezzo en el que apoyarse. César Sarachu y Daniel Albaladejo demuestran oficio y una gran compenetración en esta tarea. El papel de Elena Rayos podría pasar más desapercibido pero desde luego tampoco es fácil, puesto que ella nos representa sobre las tablas a nosotros, el público que asiste intrigado a la historia de los dos ajedrecistas y por extensión, a la del mundo contemporáneo.

Pero “Reikiavik” no sólo habla de historia, nos habla sobre todo del ser humano y su necesidad de evadirse de la realidad que le rodea y vivir otra vida al menos temporalmente. Eso también me ha gustado mucho.

En cualquier caso, debo decir que esta función no es para todos los públicos, su ritmo es bastante vertiginoso y aunque no son necesarios conocimientos previos de ajedrez o de historia para poder seguirla, no vendría mal un bagaje cultural lo más amplio posible para poder apreciarla en su totalidad. Con todo, resulta interesante verla y no aburre en ningún momento.



domingo, 24 de abril de 2016

Hamlet Kamikaze





TÍTULO: "Hamlet"
AUTOR: William Shakespeare
VERSIÓN: Miguel del Arco
INTÉRPRETES: Israel Elejalde, Ángela Cremonte, Cristóbal Suárez, José Luis Martínez, Daniel Freire, Jorge Kent y Ana Wagener.
DIRECCIÓN: Miguel del Arco

Empiezo esta reseña con una confesión: "Hamlet" no es la obra de Shakespeare que más me gusta. No he leído todas las que escribió el bardo de Stratford, pero sí unas cuantas, y de entre sus tragedias creo que me quedo con "El Mercader de Venecia".

En cualquier caso, los montajes de Kamikaze Producciones siempre son un acontecimiento, así que hace meses compré mi entrada para ver su versión del príncipe de Dinamarca con un poco de miedo, eso sí, porque sabía que Helena Pimenta había colaborado en el montaje, y hace ya muchos años yo había visto una versión suya de "El sueño de una noche de verano" que, sinceramente, no me gustó.

¿Con qué me he encontrado esta vez? Ante todo y sobre todo con un elenco sobresaliente, sin su entrega y maestría esta función no sería lo mismo. En cuanto a la versión en sí, firmada y dirigida por Miguel del Arco, he de decir que me ha gustado bastante, aunque creo que en la escena de la locura de Ofelia, el reggaeton sobraba.

Por lo demás creo que Miguel del Arco ha sabido conservar bien todo el esqueleto de la obra y la ha adaptado consiguiendo que no perdiera su esencia, lo que no es nada fácil ante un texto de semejante envergadura.

Además, tengo que reconocer que han conseguido arrancarme más de una sorisa y hacer presente un humor que yo no había sido capaz de percibir en el texto al leerlo. En este sentido creo que eso le aporta una frescura a la función que se agradece.

A pesar de todo creo que puestos a adaptarla, a la función le hubiese venido bien un pequeñito recorte y que el público hubiera agradecido una versión con 10 o 15 minutos menos.

Una vez más nos encontramos ante un triple salto mortal de los Kamikazes del que consiguen seguir ilesos y siempre dispuestos a seguir sorprendiéndonos.


domingo, 21 de febrero de 2016

Wilde a ritmo de salsa

Windermere club





TÍTULO: "Windermere Club"
AUTOR: Oscar Wilde
VERSIÓN: Juan Carlos Rubio
INTÉRPRETES: Natalia Millán, Susana Abaitua, Teresa Hurtado de Ori, Efrain González, Emilio Buale y Harlys Becerra
DIRECCIÓN: Gabriel Olivares


Oscar Wilde era un genio. Un hombre ocurrente e ingenioso con el que daría gusto pero también un poco de miedo tomar una copa. Ver una obra suya representada sobre un escenario siempre es un placer. En esta ocasión he tenido la oportunidad de ver una versión muy especial de “El Abanico de Lady Windermere” firmada por Juan Carlos Rubio.

Como el propio Rubio confiesa en el programa de mano, para adaptar esta obra comenzó por quitar cosas y añadir otras de su cosecha, por eso este “Club Windermere” no transcurre en la Inglaterra victoriana sino en el Miami de hoy en día, una ciudad con un enorme mestizaje, un clima cálido y todas las innovaciones tecnológicas que en esta sociedad globalizada están al alcance de todos.

La verdad es que no sé si era necesario introducir tantos cambios en un texto ya de por sí sobresaliente transcurra dónde y cuándo transcurra. Cuando cambiamos algo tenemos que intentar que sea para mejor y si nos enfrentamos a un texto de Wilde la tarea puede resultar cuasi titánica.

En cualquier caso, sí estoy de acuerdo en que a la hora de conseguir que el público llene las salas de los teatros puede ser efectivo traer un texto clásico a la época actual y darle otro ritmo, cosa que en este caso se consigue con una banda sonora muy salsera que vemos bailar con soltura a todos los intérpretes desde Natalia Millán a Emilio Buale.

La función está salpicada de las ocurrentes frases de Wilde y una sonrisa se dibuja en los labios del respetable al identificar esas sentencias tan certeras y tan llenas de mala leche.

Quizá a pesar de que a mí me encanta escuchar cómo suena el español de otras latitudes, me ha sobrado un poco esa mezcla de acentos que eso sí, lograba arrancar más de una carcajada. Cuando un texto es tan estupendo como el de Wilde tengo la impresión de que no son necesarios más artificios.

Eso sí, la obra resulta tremendamente entretenida y se pasa en un pis pas. Además, ver que cuando baja el telón, parte del público abandona la sala bailando, es una auténtica gozada.

domingo, 14 de febrero de 2016

Páncreas, amistad al límite

páncreas


TITULO: "Páncreas"
AUTOR: Patxo Tellería
DIRECCIÓN: Juan Carlos Rubio
INTÉRPRETES: Fernando Cayo, Alfonso Lara, José Pedro Carrión


Raúl, César y Javilo son muy amigos. Se conocieron en una terapia de grupo donde salieron a relucir todas sus debilidades, por lo que se conocen bien. Ahora Javilo está enfermo y sólo un trasplante de páncreas podría salvarle. Dado que Raúl ha decidido suicidarse cuando cumpla 60 años y ya sólo queda un año para eso, César intenta convencerle para que adelante el plazo y aproveche para salvar así la vida a su amigo Javilo donándole su páncreas.

Esta es la disparatada situación de la que parte “Páncreas”, la comedia negra escrita por Patxo Tellería que tanto éxito tuvo durante sus representaciones en versión original en euskera, y que ahora se representa en castellano por toda la geografía española interpretada por Fernando Cayo, Alfonso Lara y José Pedro Carrión.

Hasta ahí todo normal, una comedia negra de éxito. Pero es que “Páncreas” es algo más, es una comedia en verso. Siendo el castellano y el euskera dos idiomas tan distintos, me puedo hacer cargo de lo complicado que ha tenido que ser para Patxo Tellería hacer la traducción al castellano sin que el texto pierda su sentido y su musicalidad. No he visto la versión en euskera pero creo que lo ha conseguido. “Páncreas” es una función tremendamente amena que hace reír y al mismo tiempo reflexionar al espectador y que funciona en todos los aspectos como un verdadero mecanismo de relojería.

Una de las claves de ese buen funcionamiento es sin duda el texto, la otra, sus intérpretes: a Fernando Cayo, Alfonso Lara y José Pedro Carrión no les sobra ni les falta nada a la hora de dar vida a estos tres amigos que se quieren y compiten entre ellos a un tiempo.

Sin duda la dirección de Juan Carlos Rubio ha ayudado también a conseguir el tempo adecuado para contar esta historia, que con toda seguridad seguirá dando al equipo enormes satisfacciones.

En varias ocasiones he intentado romper una lanza en este blog por el teatro en verso. Suelo defender que el teatro clásico se hacía en verso e incluso las clases más bajas carentes de formación lo entendían y disfrutaban. En esta ocasión no se trata de teatro clásico, sino de un texto actual que puede ser un buen bautismo como espectador de teatro en verso para todos aquellos que aún no han sido capaces de perderle el miedo. Cualquiera que vaya a ver esta función disfrutará y acabará olvidando que no está en escrita en prosa.

No voy a decir nada más. Simplemente que “Páncreas” es un espectáculo redondo que merece todo el éxito que pueda tener.

domingo, 7 de febrero de 2016

Adentro o tabús familiares




TÍTULO: "Adentro"
AUTORA: Carolina Román
DIRECCIÓN: Tristán Ulloa
INTÉRPRETES: Araceli Dvoskin, Carolina Román, Nelson Dante, Noelia Noto



Tenía muchas ganas de ver “Adentro” la obra escrita y protagonizada por Carolina Román y dirigida por Tristán Ulloa. Mis ansias por verla respondían fundamentalmente a 2 razones: que hace un año dsifruté muchísimo con “Enconstrucción” creada por el mismo equipo, y que la temática a tratar, la vida de una familia vista desde dentro con sus luces y sus sombras, es un tema que siempre me ha resultado atractivo tanto en cine y teatro como en literatura.

Así que allí que me fui y me senté en la butaca del teatro llena de buenas vibraciones y altas expectativas. En la mayor parte de las escenas de la función los personajes se nos presentan dos a dos y no es hasta el final en que todos los intérpretes están a la vez en escena. Poco a poco vamos adentrándonos en la vida de esos seres humanos como testigos mudos y a veces un tanto impotentes.

Existe un conflicto en esta función, bueno, existen más, pero uno es el principal y el que impregna todas las escenas aunque nunca se mencione. Ese silencio opresor, ese tabú es el que hace que la atmósfera se perciba a veces como irrespirable. En este sentido, tanto el texto como la pericia de los intérpretes juegan a favor de la historia indiscutiblemente.

Pero en cuanto a la resolución de la historia tengo que reconocer que me dejó fría. La verdad es que me hubiese gustado que la función tuviera una duración mayor y que el conflicto hubiera llegado a explotar y salir a la luz. Yo como espectadora lo hubiera agradecido.

En cualquier caso, entiendo que es una opción de la autora desarrollar la historia de esa forma y darle ese final. Un final que nos hace ser conscientes de hasta qué punto muchas veces los problemas y los conflictos no salen a la luz sino que permanecen latentes y escondidos condicionando nuestra vida.

Una función para reflexionar. Eso sí, si tuviera que elegir, me quedo con "En construcción".


domingo, 31 de enero de 2016

Cuando deje de llover, todo un rompecabezas teatral




TÍTULO: "Cuando deje de llover"
AUTOR: Andrew Bovell
TRADUCCIÓN: Jorge Muriel
DIRECCIÓN: Julián Fuentes Reta
INTÉRPRETES: Jorge muriel, Pilar Gómez, Consuelo Trujillo, Pepe Ocio, Susi Sánchez, Ángela Villar, Felipe G. Vélez, Ángel Savín/Francisco Olmo, Borja Maestre

Creo que ya he dicho varias veces en este blog que para que la magia del teatro se produzca sólo hacen falta 3 cosas: una buena historia, buenos actores y público. Pues bien, “Cuando deje de llover” las tiene, y por eso al verla sobre un escenario no puede sino surgir la magia.

En primer lugar la magia de su historia: la historia de unos personajes unidos pese a las diferencias de tiempo y espacio, ya que la obra transcurre entre Europa y Australia y entre 1959 y 2039. Los saltos temporales son continuos y tienen mucha importancia a la hora de lograr impactar al espectador. Estamos ante una historia tremendamente compleja aunque en el fondo es bastante simple. Sé que esto que digo puede parecer contradictorio pero no lo es y el que la haya visto comprenderá seguramente a qué me refiero.

En segundo lugar la magia de sus intérpretes: 9 actores y actrices al servicio de una historia. Estamos ante una historia bastante coral y por eso es difícil destacar a unos sobre los otros. Todos interpretan su papel con eficacia, dando el toque justo a cada una de sus intervenciones y consiguiendo así mantener en vilo al público.

En tercer lugar la presencia del público, y no sólo su presencia pasiva como meros espectadores sino su presencia activa. No me refiero a que te vayan a sacar al escenario, que nadie se asuste, no hay nada de eso. El público permanece observando en su butaca como en cualquier otra función, pero su cabeza no para quieta, no deja de atar cabos y hacer suposiciones acerca de las pequeñas pildoritas y pistas que los personajes de la obra van dejando por aquí y por allá como Pulgarcito dejaba miguitas de pan para poder volver a casa. El que no esté dispuesto a comerse un poco la cabeza durante la función que no se gaste el dinero de la entrada porque es probable que acabe perdiéndose.

Con esto que he dicho no quiero desanimar a nadie, al contrario, creo que es una obra que todo el mundo debería ver al menos una vez, si son dos o más mejor que mejor, porque estoy segura que a pesar de toda la atención que el espectador pueda poner, si la ve una segunda vez podrá hacer algunas lecturas complementarias de la misma.

Este texto del australiano Andrew Bovell traducido por Jorge Muriel, merece más de una lectura y desde luego más de un visionado. No quiero desvelar nada más de la función pero espero haber picado vuestra curiosidad y que os acerquéis a verla si tenéis la oportunidad. Está de gira.