domingo, 27 de noviembre de 2016

Mujeres al poder


la asamblea de las mujeres



TÍTULO: "La Asamblea de las mujeres"
AUTOR: Bernardo Sánchez
DIRECTOR: Juan Echanove
INTÉRPRETES: Lolita, María Galiana, Miriam Díaz-Aroca, Pedro Mari Sánchez, Luis Fernando Alvés, Concha Delgado, Segio Pazos, Bart Santana, Santiago Crespo

El espectáculo comienza de forma prometedora, con un número musical protagonizado por Pedro Mari Sánchez que hace presagiar que nos encontraremos con un gran número de ellos a lo largo de la función.

En la siguiente escena vemos como las mujeres atenienses organizan la puesta en práctica de su plan para conseguir que los hombres les cedan el gobierno de la ciudad. Destaca aquí Lolita que en la piel de Praxágora, asume el protagonismo de la acción de forma brillante. Menos mal que poco a poco parece que los directores se van dando cuenta de su inagotable talento.

Creo que no destripo nada del argumento al afirmar que las mujeres consiguen su propósito. A partir de ahí se suceden las escenas en las que se pone de manifiesto la opinión de los varones atenienses así como algunas pinceladas de los cambios sociales y organizativos que tienen lugar con el nuevo gobierno.

A mi juicio, esta parte de la función cojea argumentalmente aunque es cierto que tiene varios golpes que hacen reír al público. Personalmente me esperaba una comedia mucho más musical, al estilo de “El eunuco”. En realidad aquí sólo hay dos número musicales, el primero que ya he mencionado y una chirigota al final donde Lolita vuelve a mostrar todo su arte (hay que ver cómo mueve las manos esta mujer y qué dominio de la voz tiene).

También hay un número de baile que aunque muy bien ejecutado me parece un poco fuera de contexto.

¿Recomiendo ir a ver “La Asamblea de las mujeres”? Sí, no os equivoquéis por lo dicho hasta aquí, claro que la recomiendo, es una obra muy entretenida y el público la disfruta, eso sí, no es redonda y creo que con ese argumento se le podría haber sacado un mayor partido.

domingo, 20 de noviembre de 2016

Tierra del fuego, crónica de un conflicto irresoluble




TÍTULO: "Tierra del fuego"
AUTOR: Mario Diament
VERSIÓN: David Serrano
DIRECCIÓN: Claudio Tolcachir
INTÉRPRETES: Alicia Borrachero, Ben Temple, Abdelatif Hwidar, Juan Calot, Malena Gutiérrez, Hamid Krim

¿Será el ser humano alguna vez capaz de poner fin a ciertos enfrentamientos? “Tierra del fuego” nos acerca a uno de esos conflictos que parecen no tener fin: el judeo-palestino.

No es fácil ser objetivo ante un tema de este calibre y sin embargo el texto de Mario Diament lo consigue, o al menos lo consigue prácticamente. Yael es una mujer judía que fue víctima de un atentado en el que su mejor amiga falleció y ella resultó herida. 23 años después visita en prisión al terrorista que atentó contra sus vidas.

Ella, magníficamente encarnada por Alicia Borrachero, es la que nos va llevando de la mano por esta problemática y con ella conocemos los diferentes puntos de vista de los implicados: las vícitmas, los terroristas, los abogados de los terroristas, los familiares de las víctimas... Todos están representados aquí, todos tienen sus razones para actuar como actúan y pensar como piensan.

Decía que la obra es prácticamente imparcial porque algunos puntos de vista se nos plantean con más peso en la función, pero no obstante, es lo más equilibrado que yo he visto nunca en lo que a este conflicto se refiere.

Pese a tratarse de un texto profundamente reflexivo, podría decirse que la función es trepidante puesto que te atrapa desde la primera frase y no te suelta hasta que cae el telón definitivamente. Una puesta en escena absolutamente sobria subraya la fuerza del texto para que nada distraiga la atención del público de lo único importante aquí: las personas.

Me gustaría pensar como el director, Claudio Tolcachir, que desde el programa de mano fantasea con que obras como ésta nos permitan borrar fronteras y volvernos más humanos. No sé si será posible, ojalá, aunque a mí de momento se me antoja que ciertos conflictos son prácticamente irresolubles. En cualquier caso, siempre merecerá la pena sentarse a reflexionar ante espectáculos de esta envergadura puestos en pie por un equipo con tanto talento.

domingo, 13 de noviembre de 2016

La vida pasa con la velocidad del otoño


la velocidad del otoño



 TÍTULO: "La velocidad del otoño"
AUTOR: Eric Coble
ADAPTACIÓN: Bernabé Rico
DIRECCIÓN: Magüi Mira
INTÉRPRETES: Lola Herrera y Juanjo Artero

Lleva una racha de papeles Lola Herrera en los últimos años, con los que siempre me deja los ojos llenos de lágrimas. Lo hizo con “En el estanque dorado” y ahora lo ha vuelto a hacer con la obra de Eric Coble “La velocidad del otoño”.

¿De qué habla esta función? De la vida misma, pero sobre todo, de la rapidez con que pasa: del deterioro que a veces sufrimos al acercarnos al final, del apego que tenemos a nuestras cosas, del miedo al cambio...

De todo eso nos habla Lola Herrera en la piel de una mujer que se enfrenta a sus hijos porque quiere pasar lo que le queda de vida en su casa de siempre. El espectador no conoce la postura de sus hijos mayores mas que a través de ella, pero sí conoce a su hijo más pequeño, Cris, que llevaba 20 años ausente de la familia.

Juanjo Artero encarna a ese Cris, ese hijio menor y rebelde que según podemos percibir a medida que se desarrolla la obra, es el ojito derecho de su madre. No es la primera vez que Juanjo Artero y Lola Herrera trabajan juntos, ya lo hicieron hace años en “6 clases de baile y 6 semanas” y la química entre ellos es evidente. Dan a esta relación materno-filial tal verosimilitud que no te puedes imaginar a otra madre para ese hijo ni a otro hijo para esa madre.

El texto de Coble adaptado por Bernabé Rico es rápido y fluido. La dirección de Magüi Mira es, como ya nos tiene habituados, sutil y al mismo tiempo altamente eficaz. Cuando estás viendo esta función no tienes la sensación de estar viendo teatro, la realidad desaparece a tu alrededor y sólo tienes la impresión de estar presenciando algo muy íntimo entre una madre y su hijo.

Y eso a pesar de que tiene momentos que son puro teatro, como esos en los que el personaje de Cris relata a su madre ciertos acontecimientos de los que ha sido testigo, y el espectador pinta en su mente esos hechos sólo por obra y gracia de las palabras que escucha.

En los textos publicitarios sobre este texto se dice que es una obra divertida, no negaré que tiene momentos en los que te saca una sonrisa, pero más allá de eso, a mí me parece sobre todo una obra profunda que dará que pensar a todo el que la vea.

La vida pasa rápido, mucho más de lo que nos gustaría, y merece la pena que pase viendo obras como ésta.

domingo, 6 de noviembre de 2016

La estupidez o el más difícl todavía

La estupidez


TÍTULO: "La estupidez"
AUTOR: Rafael Spregelburd
DIRECTOR: Fernando Soto
ESCENOGRAFÍA: Elisa Sanz
MÚSICA Y ESPACIO SONORO: David Angulo 
INTÉRPRETES: Javier Márquez, Fran Perea, Toni Acosta, Javi Coll, Ainhoa Santamaría
MÁS INFORMACIÓN: http://feelgoodteatro.com/

Me resulta bastante complicado escribir esta reseña de la obra “La estupidez” dirigida por Fernando Soto. ¿Que por qué? Porque no sé cómo definir ni explicar esta función. Bueno, algo sí que se me ocurre y es decir que “La estupidez” es circensemente hablando, un triple salto mortal sin red, un más difícil todavía.

En los últimos veintipico años en los que llevo viendo teatro asiduamente, creo que nunca había visto una obra más difícil de poner en pie. Es cierto que obras como por ejemplo, las de Valle-Inclán, fueron en su tiempo casi imposibles de representar, con multitud de localizaciones distintas y una lista de personajes como la de la guía telefónica, pero yo creo que llevar a la escena “La estupidez” es todavía más complicado.

En este caso estamos ante una obra con 27 personajes, si no he contado mal. Estos 27 personajes son interpretados solamente por 5 actores a los que por fuerza tengo que nombrar aquí porque hacen un trabajo de auténticos titanes, son: Javier Márquez, Fran Perea, Toni Acosta, Javi Coll y Ainhoa Santamaría. La localización es única, un Motel en Las Vegas, y por sus distintas habitaciones va desfilando toda esta galería de caracteres que conforman la función.

En cuanto al argumento en sí, no diré mucho: todos estos individuos quieren hacer dinero y quieren hacerlo en Las Vegas, pero no, no sólo jugando a la ruleta. En el programa de mano se nos dice que la obra “versa sobre la fragilidad de la inteligencia en los tiempos que corren” pero yo diría más, yo diría que habla de la crisis de valores y de la podredumbre y corrupción de nuestra sociedad.

Pero lo cierto es que lo más importante de esta obra no es lo que se cuenta sino cómo se cuenta. No sé si será porque está escrita por un argentino, Rafael Spregelburd, pero hay varias escenas que suceden al mismo tiempo y el espectador se encuentra prestando atención a dos conversaciones A LA VEZ.

La verdad es que los argentinos son expertos en construir escenas de este tipo, no sé si os habréis dado cuenta pero en las películas y las obras argentinas existen en muchas ocasiones estos momentos en los que los personajes hablan todos a la vez, y lo más sorprendente es que consiguen que no perdamos el hilo. Aquí también ocurre. Bien por Ferando Soto y por ese magnífico elenco que han conseguido que una cosa así parezca incluso sencilla.

En cuanto a la escenografía y la ambientación, no falta un detalle. Desde que el público empieza a llenar el patio de butacas, se encuentra ante una de esas habitaciones del motel en el que se desarrolla la acción, y los clásicos de la música americana: Elvis, Kenny Rogers... inundan la sala. Perfecto para entrar en situación.

Ya he mencionado a los cinco intérpretes pero tengo que volver a ellos porque si ya de por sí el hecho de hacer teatro proporciona tablas y profesionalidad a los intérpretes, no me puedo imaginar todo lo que hacer “La estupidez” supondrá para estas cinco fieras. No es que les vaya a dar tablas, sino que al final de la gira van a poder montar una carpintería.

Ya solamente que realicen los cambios de vestuario a esa endiablada velocidad es algo que deja boquiabierto al público, qué voy a decir de cambiar de registro con la misma celeridad y efectividad.

¿Le pongo alguna pega a esta función? Pues sí, suceden tantas cosas y con tanta rapidez que hay muchas que se nos escapan y por eso precisamente creo que se sacaría mucho más provecho con un segundo visionado. También me parece que el final se alarga un poco en exceso. Estamos ante una obra de tres horas, y yo pienso que con un cuarto de hora o veinte minutos menos de duración ganaría bastante.

En todo caso, creo que os habrá quedado claro que es muy recomendable si queréis ver un trabajo de primera, porque no hace falta ir al Circo del Sol para presenciar un “más difícil todavía”.

domingo, 16 de octubre de 2016

Reina Juana, la soberana a la que no dejaron reinar


Reina Juana


TÍTULO: Reina Juana
AUTOR: Ernesto Caballero
DIRECCIÓN: Gerardo Vera
INTÉRPRETE: Concha Velasco


No hace falta que explique cuántas veces la historia ha sido injusta con las mujeres, no terminaría nunca de enumerar todos los casos. Una de esas mujeres injustamente denominada como “la loca” fue la Reina Juana, Reina de Castilla, hija de los Reyes Católicos y esposa de Felipe el Hermoso.

Ernesto Caballero ha querido hacerle justicia de alguna manera con un texto en el que cede la palabra a la propia Juana que mediante una confesión general va desgranando determinados episodios de su vida. Episodios que poco a poco van dibujando a la mujer que existía detrás del personaje.

Ya nos advierte el autor desde el programa de mano, que un texto de ficción no es un tratado de Historia, por tanto no debemos ver esta función como una clase magistral, en ella existen datos reales, por supuesto, pero éstos no sirven sino para dar rienda suelta a una Juana que desnuda su alma ante nosotros dejándonos entrar en sus más profundos sentimientos.

Gerardo Vera es el encargado de dirigir este montaje, y para interpretar a una mujer de rompe y rasga era necesaria una actriz de campanillas, la elección en este sentido no ha sido dificil para el director pues tal y como el mismo afirma, parece que estamos ante un papel hecho a la medida para Concha Velasco.

La Velasco como es su costumbre no defrauda, y dota al personajes de una multitud de matices que nos permiten “descubrir” a una reina Juana de carne y hueso. No sabemos si todo lo que Ernesto Caballero ha puesto en boca del personaje o algo parecido, salió alguna vez de sus labios, pero lo que sí está claro es que Concha Velasco hace que nos parezca posible.

Una obra que recomiendo sobre todo a los admiradores del personaje de Juana, pero que también resultará grata a los que quieran realizar un primer acercamiento a su figura.

martes, 4 de octubre de 2016

El gusto siempre será nuestro





TÍTULO: "El gusto es nuesto 20 años"
INTÉRPRETES: Ana Belén, Víctor Manuel, Miguel Ríos y Joan Manuel Serrat
Más información: http://www.elgustoesnuestro20.com/



Hay carteles que son siempre un valor seguro. El de “El gusto es nuestro 20 años” no podía fallar: Ana Belén, Víctor Manuel, Joan Manuel Serrat y Miguel Ríos son historia de nuestra música y afortunadamente son una historia muy viva y en plena forma.

No tuve la oportunidad de verles hace 20 años, era demasiado pequeña, pero sí que vi un especial sobre ese concierto que en aquellos tiempos emitió Televisión Española. Es una pena que cada vez se emitan menos especiales de ese tipo o que cuando se hace, sea a horas, en no pocas ocasiones, intempestivas.

Pero bueno, a lo que voy: que estos 4 grandes se han vuelto a unir para subirse al escenario y girar por la geografía nacional disfrutando y haciendo disfrutar al público.

El que vaya a verlos podrá entregarse a la música con mayúsculas durante más de 3 horas, revivir su juventud o conocer un poco mejor las canciones que hicieron mover el esqueleto y emocionarse a sus mayores y que son por méritos propios temas que pasarán a la posteridad y que seguirán ahí por mucho que los años corran y las modas cambien.

El concierto está estructurado dando ratitos de protagonismo a cada uno de los intérpretes, aproximadamente cada 3 canciones de uno de ellos hay un dúo, y al principio y al final los cuatro unen sus voces para una traca de fin de fiesta que pone los pelos de punta.

Si sois seguidores de este blog ya sabréis que mi debilidad absoluta es Ana Belén pero evidentemente, el talento de estos cuatro grandes está a la misma altura y cada miembro del público tendrá sus preferencias, ahí no me meto.

Una pena, como siempre, que cuando estos conciertos se acercan por tierras vascas o catalanas no podamos disfrutar de la mítica “España camisa blanca”, aunque conste que entiendo el porqué de esta omisión. No deja de ser triste, no obstante, que los artistas tengan que andarse con tantos pies de plomo para no herir determinadas sensibilidades. Víctor Manuel compuso hace muchos años esa canción y Ana Belén la lleva en todos los demás conciertos, si te gustan estos artistas tienes que saber que es así, seas de donde seas, y tengas las idesas políticas que tengas, y no creo que debas molestarte si la cantan, pero bueno, repito que entiendo la precaución aunque me apena enormemente que tenga que tomarse, ya que creo que somos muchos los que en el País Vasco y Cataluña también desearíamos escucharla.

Por lo demás, a la hora de ver a estos grandes sobre el escenario el gusto, siempre, siempre, siempre, será nuestro.

domingo, 25 de septiembre de 2016

Nadie es invencible




TÍTULO: "Invencible"
AUTOR: Torben Betts
TRADUCCIÓN: Jordi Galcerán
INTÉRPRETES: Maribel Verdú, Jorge Bosch, Natalia Verbeke, Jorge Calvo
DIRECCIÓN: Daniel Veronese


“Invencible” comienza cuando un matrimonio acomodado venido a menos se traslada a un barrio de clase obrera en un pueblo alejado de la capital. En el comienzo son todo buenas intenciones y quieren intimar con los vecinos de la casa de al lado, integrarse por completo en el vecindario.

Pero en cuanto presenciamos la reunión de los dos matrimonios, nos damos cuenta de que tienen muy pocas cosas en común y de que llegar a ser amigos va a ser bastante más difícil de lo que parecía en un principio.

El contraste entre ambas parejas es muy grande y provoca en no pocas ocasiones la hilaridad del público. Pero... ¿nos reímos porque también nosotros nos creemos mejores que Laura y Pablo o porque consideramos demasiado pijos a Emi y a Julio?

Lo que este texto del británico Torben Betts nos viene a decir, es que no somos tan comprensivos ni tan tolerantes con lo diferente, como nosotros mismos nos creemos.

Los personajes protagonistas de esta obra, correctamente interpretados por Maribel Verdú, Jorge Bosch, Natalia Verbeke y Jorge Calvo, son individuos bastante estereotipados que le sirven al autor para crear una comedia dramática con la que hacer pensar y reír al público. La parte de la función inmediatamente anterior al final es absolutamente sublime y desternillante, sólo por eso ya merece la pena ir a ver la obra. No obstante, he tenido la impresión de que no todo el texto tiene el mismo nivel de calidad.

Creo que a veces se utilizan recursos demasiado facilones con el único objeto de buscar la carcajada. El próposito de hacernos pensar y reflexionar sobre la sociedad actual y las diferencias irreconciliables entre clases, no se consigue al 100% sino que se queda a medias posiblemente por intentar llevar tan al extremo la mezcla de comedia y tragedia.

A pesar de lo dicho, no negaré que la función entretiene. Tendréis que ir a verla y juzgar por vosotros mismos.