domingo, 28 de mayo de 2017

Mágica noite de fado




INTÉRPRETES: Nathalie Pires & Marco Rodrígues


Qué placentero resulta descubrir artistas nuevos que te cautivan desde el primer momento. No pasa siempre pero cuando pasa es mágico y una fuente enorme de alegría.

He tenido la suerte de que esto me ocurriera esta misma semana durante el concierto de Nathalie Pires y Marco Rodrigues, dos jovencísimos fadistas que hicieron las delicias del público con sus voces y sus interpretaciones.

Estos dos artistas no actúan siempre juntos, para nada, son cada uno de “de su padre y de su madre”, cada uno está desarrollando su propia carrera, pero sí tienen algunas cosas en común: ambos son artistas reconocidos y premiados y están considerados dentro de esa nueva corriente de renovadores del fado. Además, ambos cuentan con el aval de alguien tan prestigioso en el mundo del fado como Carlos do Carmo.

En esta serie de conciertos que están ofreciendo conjuntamente, van acompañados de tres magníficos músicos, de los que lamentablemente no puedo citar aquí los nombres porque no figuran en el programa de mano. Boquiabierta me dejó el intérprete de la guitarra portuguesa que demostró una maestría y un virtuosismo sin igual.

Si todavía no sois amantes del fado, os sugiero que os adentréis un poquito en la música de estos intérpretes porque estoy convencida de que os cautivarán también a vosotros.

¿Que qué tiene el fado? Pues ante todo, musicalidad, saudade (nostalgia), delicadeza y una sensibilidad que atraviesa todas las fronteras de territorios e idiomas que se puedan interponer.

Tanto Nathalie Pires como Marco Rodrígues tienen sendos discos en el mercado que se pueden adquirir y ser escuchados en las plataformas digitales, pero si nunca los habéis escuchado, yo os recomendaría que en primer lugar, vieseis alguna de sus actuaciones en directo, porque realmente no hay disco que consiga igualarlas. Y así debe ser cuando de grandes artistas se trata, suenan en directo aún mejor que en las grabaciones.

Os dejo un aperitivo para que vayáis abriendo boca:



Yo por mi parte, ya he incluido a Nathalie y a Marco Rodrígues entre mis artistas de refencia en lo que fado se refiere. Junto a otros como Mariza o Antonio Zambujo del que ya os hablé en otra ocasión.

Ahora que Portugal se ha puesto de moda, es buen momento para ampliar nuestros horizontes y hacer un hueco a estos fadistas en nuestra biblioteca musical, ¿no os parece?



domingo, 21 de mayo de 2017

El cartógrafo o el mapa de una vida










TÍTULO: "El cartógrafo"
AUTOR: Juan Mayorga
DIRECCIÓN: Juan Mayorga
INTÉRPRETES: Blanca Portillo y Jose Luis García Pérez


El buen teatro, como el buen cine o la buena literatura, te hace, sobre todo, sentir. “El cartógrafo” escrita por Juan Mayorga te hace sentir en primera instancia curiosidad y a medida que la obra avanza, vas sintiendo muchas más cosas, entre ellas piedad y emoción.

Nos encontramos ante un obra complicada que cuenta mucho con muy poco. “El cartógrafo” es teatro con mayúsculas de ese en el que los actores son el vehículo para hacer sentir y encoger el estómago del espectador, de ese en que la cabeza del que se sienta en la butaca tiene que estar continuamente dando vueltas, analizando y replanteándose lo que le están contando.

No os preocupéis con esto que os digo, os puedo asegurar que el esfuerzo merece la pena y que lo que sobre el papel parece difícil, dos enormes intérpretes como Blanca Portillo y Jose Luis García Pérez lo hacen mucho más fácil. Como por arte de magia hacen desfilar ante nuestros ojos a un buen puñado de personajes que componen, como si de un rompecabezas se tratara, una historia, la del gueto de Varsovia, o mejor dicho, la de unos personajes que pudieron haberlo vivido.

No sólo eso se trata en esta obra, porque lo que aquí se cuenta también es la que podría ser la historia de cada uno de nosotros, pero eso es mejor que lo descubráis por vosotros mismos.

Muchas cosas quedan fuera de las dos horas de esta función, porque como bien se dice en ella, definitio est negatio (creo que era así), o lo que es lo mismo, definición es negación porque nunca se cuenta una historia al completo, siempre hay que hacerse preguntas y decidir qué es lo que queremos contar y lo que no.

Estas preguntas se las ha hecho aquí Juan Mayorga que además de ser el auto,r es el director de la función. Las respuestas deberá buscarlas el espectador desde el patio de butacas y también mucho después de que el telón haya bajado, porque esta es una de esas historias que no nos abandonan fácilmente y que siguen dando vueltas en nuestra cabeza durante días o incluso, me atrevería a decir, durante meses, lo cual no es mala cosa.

Mientras yo la veía no podía evitar pensar que si conociera mejor la historia de Polonia y del gueto de Varsovia, le sacaría aún más jugo. Eso me ha despertado las ganas de leer sobre ello así que si conocéis alguna historia o relato que se ambiente en ese lugar o esa época, os agradecería la recomendación. Eso sí, tened en cuenta que no estoy muy ducha en la materia.

También me gustaría señalar que ésta es una de esas funciones tras las cuales se agradecería muy mucho un coloquio con la compañía, puesto que estoy segura de que el viaje que han tenido que hacer Blanca y Jose Luis para prepararse para esta aventura ha tenido que ser tremendamente enriquecedor e iluminador.

Lo que sí tengo claro, es que si la vida me da la oportunidad de volver a ver la función, lo haré, y si puede después de haber aprendido algo más sobre la ocupación nazi de Varsovia, mejor que mejor.

Vosotros deberíais hacer lo mismo y no dejar pasar el tren de “El cartógrafo” si es que tiene parada en vuestra ciudad.



domingo, 14 de mayo de 2017

La lucha sin cuartel de Antonia San Juan

"Mi lucha" de Antonia San Juan


TÍTULO: "Mi lucha"
TEXTOS: Félix Sabroso, Pedro Almodóvar...
DIRECCIÓN: Antonia San Juan
INTÉRPRETE: Antonia San Juan


Si decides ir a ver “Mi lucha” de Antonia San Juan, en elgún momento del espectáculo es posible que te remuevas en tu asiento, que no encuentres postura, que te sientas incómodo porque Antonia San Juan no pretende hacer la pelota a nadie y habla sin pelos en la lengua: la maternidad, la prensa amarilla, el matrimonio, la infidelidad, la mala educación, la religión, el qué dirán, el patriotismo, el postureo... son sólo algunos de los muchos temas tocados en sus monólogos.

Solamente con su enumeración inicial de todos aquellos para los que no trabaja, ya podrían (o podríamos muchos) levantarnos del asiento y marcharnos, pero te doy un consejo: no lo hagas, el espectáculo merece la pena.

Según mi impresión, la función va in crescendo, bueno, no del todo, porque empieza nada más y nada menos que con el monólogo de su inolvidable Agrado de “Todo sobre mi madre” y eso es empezar fuerte, pero por lo demás, me parece que el espectáculo va de menos a más haciendo que el público cada vez esté más enganchado a sus palabras y reflexiones, esté de acuerdo con todas ellas o no.

Hay en “Mi lucha” muchos momentos para la risa, la mayoría, pero también los hay para la compasión y para asentir con la cabeza con lentitud y seriedad a medida que vamos escuchando las palabras de Antonia.

Aun con todos los momentos destacables que tiene esta función, me atrevería a afirmar que la recopilación de “Lo mejor de Antonia San Juan” le lleva la delantera, pero claro, aquello es una antología y desde luego, algunos de los monólogos que se pronuncian aquí también serían merecedores de formar parte de esa recopilación en el futuro.

En todo caso, en “Mi lucha” se presenta ante nosotros una Antonia San Juan muy auténtica porque como bien dice la Agrado: “Una es más auténtica cuanto más se parece a lo que soñó de sí misma”, y por cierto, si aún no conoces a la Agrado, ya estás tardando en ver “Todo sobre mi madre”.

Para terminar, un aviso a navegantes: este espectáculo no está recomendado para menores de 16 años así que no metas la pata queriendo llevar a tus retoños a ver a Estela Reynolds, que dicho sea de paso, la serie en la que aparecía tampoco debería ser vista por niños. Y una cosita más, tampoco tú debes ir con la idea de encontrar allí a otra Estela Reynolds porque Antonia San Juan es mucho más que uno o dos de sus personajes, Antonia San Juan es, como ya dije una vez, muchas mujeres en una y en esta función lo vuelve a demostrar haciendo y diciendo lo que le da la gana.

viernes, 14 de abril de 2017

El pequeño pony: teatro necesario

El pequeño pony



TÍTULO: "El pequeño pony"
AUTOR: Paco Bezerra
DIRECCIÓN: Luis Luque
INTÉRPRETES: María Adánez y Roberto Enríquez


Existen muchos problemas graves en nuestra sociedad hoy en día pero a mi juicio, uno de los más sangrantes es el acoso escolar. ¿Cómo puede ser que nuestros niños y jóvenes estén sufriendo en sus carnes algo tan terrible y los adultos que debemos protegerlos y proporcionarles seguridad no seamos capaces de poner fin a su sufrimiento?

De este tema tan importante es de lo que habla la obra de teatro “El pequeño pony” escrita por Paco Bezerra y dirigida por Luis Luque. Y lo primero que quiero hacer en esta reseña es dar las gracias al autor por escribir este texto. Creo que todos los padres y todos los educadores deberían ver esta función o al menos, leerla. Se trata para mí de un imprescindible del teatro actual que creo que puede llegar a convertirse en un clásico. Esperemos que no sea así porque eso querría decir que el acoso escolar ha sido erradicado y que ya no serían necesarias funciones como ésta.

En ella vemos a un matrimonio, Irene y Jaime encarnados por María Adánez y Roberto Enríquez. Tienen un hijo de 10 años que, de la noche a la mañana comienza a sufrir acoso por parte de sus compañeros en el colegio. No voy a decir más, creo que no es necesario.

En la obra vemos que no todo el mundo reacciona igual ante una situación de este tipo, que lo que a unos les puede parecer una forma de actuar acertada, a otros puede resultarles una aberración. En este caso yo tenía clara mi postura, pero hasta cierto punto también puedo entender la de la otra parte. A veces no sabemos cuál es el camino adecuado que debemos tomar para tratar de proteger lo que más queremos.

Así, con el curso de los días, el matrimonio formado por Irene y Jaime empieza a resentirse, a enfrentarse e incluso a recriminarse muchas cosas con dureza. Es un lujo asistir a un acto tan íntimo como el que nos plantea esta obra. Las interpretaciones de María Adánez y Roberto Enríquez hacen que estemos durante toda la función en tensión y tratando de tomar partido por uno u otro.

Sólo me resta decir que esta función está inspirada en hechos reales que tuvieron lugar en Estados Unidos en el año 2014. Saber esto hace que todavía se nos erice más la piel al verla.

Una obra muy necesaria. Y creo que no se puede decir nada mejor de una función que pertenece al género del teatro social. Id a verla si tenéis oportunidad, os lo ruego.

domingo, 9 de abril de 2017

¿Todos tenemos un precio?




TÍTULO: "El jurado"
AUTOR: Luis Felipe Blasco Vilches
DIRECCIÓN: Andrés Lima
INTÉRPRETES: Fran Perea, Isabel Ordaz, Usun Yoon, Eduardo Velasco, Víctor Clavijo, Canco Rodríguez, Cuca Escribano, Josean Bengoetxea, Luz Valdenebro.


No me negarás que alguna vez te has preguntado qué pasará en la sala de deliberación de un jurado popular, ¿Habrá muchas discusiones? ¿Muchos cambios de opinión? ¿Llegarán a un acuerdo fácilmente? Ahora gracias a la puesta en escena de la obra “El jurado” de Luis Felipe Blasco Vilches tienes la oportunidad de averiguarlo.

Estamos en la sala destinada al jurado tras un juicio por corrupción al Presidente de una Comunidad Autónoma. Nueve personas se reúnen para decidir si el acusado es culpable o no culpable. Hay que decidir en votación pública si los hechos que se le imputan están o no probados y si por tanto, es o no es culpable.

Como varios de los miembros del jurado dicen, no se trata sólo de juzgar a un político sino de juzgar a una persona a la que la decisión final puede cambiarle la vida.

No voy a contar más porque no tendría sentido. Cuando oímos hablar de este argumento, los que en alguna ocasión hemos tenido la suerte de ver el maravilloso Estudio 1 “Doce hombres sin piedad” no podemos evitar acordarnos de él (por cierto, está disponible en la web de tve). “El jurado” no llega a ese nivel de virtuosismo principalmente porque el texto no es tan potente, pero aún así, se ve con interés y agrado.

Me parece muy buena elección la plataforma giratoria en la que se encuentra la mesa de las deliberaciones en la que nuestro jurado discute y vota. De esta forma, la tecnología permite al público tener diferentes perspectivas de la reunión de los miembros del jurado. No obstante, creo que hay demasiados momentos en los que solamente vemos la mesa girar y escuchamos música mientras vemos a los intérpretes gesticular en lo que parece ser una acalorada discusión. Personalmente creo que hubiese sido interesante que algunas de esas deliberaciones las hubiésemos escuchado y que no se hubiera recurrido tanto a la elipsis en esos momentos.

Las interpretaciones son solventes y están equilibradas, tenemos ante nosotros una galería de personajes bastante diversa de tal forma que cada uno de los espectadores se puede identificar con alguno de ellos en un momento o en otro.

Y sobrevolando continuamente la función se encuentra la eterna pregunta: ¿Será verdad que todos tenemos un precio? La respuesta no te la voy a dar yo, para conocerla tendrás que ir a ver “El jurado”.

domingo, 2 de abril de 2017

Flamenco en la catedral





TÍTULO: "Catedral"
BAILE: Patricia Guerrero
CUERPO DE BAILE: Maise Márquez, Ana Agraz y Mónica Iglesias
TENOR: Diego Pérez
CONTRATENOR: Daniel Pérez
CANTE: José Ángel Carmona
GUITARRA: Juan Requena
PERCUSIÓN: David "Chupete"
DIRECCIÓN ESCÉNICA: Juan Dolores Caballero


Lo puedo decir claramente: Patricia Guerrero es una gran bailaora. Sólo la he visto una vez, pero con eso me basta, está fuera de toda duda. Sólo tiene 27 años pero es capaz de expresar toda la fuerza, la garra y el poderío que el baile flamenco requiere.

“Catedral”, el espectáculo que tuve la oportunidad de ver el otro día, fue galardonado con el Premio Giraldillo al Mejor espectáculo de la pasada edición de la Bienal de Sevilla, ahí es nada.

Se trata de una propuesta diferente y arriesgada, puesto que todo el baile que desfila ante nuestros ojos tiene lugar, nada más y nada menos, que en una catedral. Un lugar donde tradicionalmente el recogimiento y el silencio ocupan el lugar que aquí está reservado a el baile y la música.

Entiendo que se haya premiado este montaje por su originalidad y por el talento de los que en él intervienen, pero en cualquier caso, creo que hay elementos que no le beneficiaban precisamente. El principal de ellos es el vestuario: tanto Patricia como las otras 3 integrantes del cuerpo de baile aparecen en la primera parte del espectáculo con unos vestidos como los que el pasado siglo utilizaban las mujeres de clase acomodada para acudir a la iglesia.

Comprendo que es una forma de situar a los espectadores en el escenario en el que supuestamente nos encontramos pero, no nos engañemos, creo que deberían haberse despojado de ellos bastante antes, puesto que estos ropajes no dejan apreciar claramente los movimientos corporales tan importantes en el flamenco y en cualquier otro tipo de baile. Es más, en una gran parte de la actuación, ni siquiera dejaban ver los pies y si a un bailarín de flamenco no se le ven los pies al zapatear, apaga y vámonos.

Creo que si el cambio de vestuario se hubiera producido antes, la primera parte del espectáculo hubiera ganado indiscutiblemente en calidad, o al menos, creo que gran parte del público lo hubiésemos disfrutado más.

Sí que me gustó sin embargo, la apuesta por esos dos cantantes líricos que mediante cantos religiosos o su simulación, consiguen meternos en situación de una manera prodigiosa.

En resumen, un espectáculo muy recomendable al que eso sí, yo le habría introducido algunos pequeños cambios, pero claro, yo no lo dirijo. En cualquier caso, queda demostrado que Patricia Guerrero es una grande que dará mucho que hablar de ahora en adelante.

domingo, 19 de marzo de 2017

Héroes de carne y hueso

héroes



TÍTULO: "Héroes"
AUTOR: Gerald Sibleyras
VERSIÓN: Tamzin Towsend y Chema Rodríguez-Calderón
DIRECCIÓN: Tamzin Towsend
INTÉRPRETES: Luis Varela, Juan Gea e Iñaki Miramón


Estamos en Francia en 1960. Gustave, Henri y Philippe son veteranos de guerra y viven en la misma residencia, por eso se han hecho amigos.
En la obra “Héroes” podemos verles con sus sueños, sus ilusiones, frustraciones y achaques, pero sobre todo con sus ansias de no sentirse solos, de que se les necesite, de que se les eche de menos.

El autor de héroes es el dramaturgo y también actor francés Gerald Sibleyras, y en este caso, la versión española nos la han traído la directora Tamzin Townsend y Chema Rodríguez-Calderón.

En el programa de mano, la directora califica esta función como una “comedia ácida” en la que detrás de la risa hay tristeza. Yo la calificaría más bien como una “comedia agridulce” porque efectivamente las carencias y las necesidades insatisfechas del ser humano están presentes, pero además de momentos graciosos, también hay momentos dulces en los que los personajes casi sin pretenderlo, nos muestran su cara más humana haciéndose merecedores del cariño del público.

En el año 2006, esta obra recibió en Londres el premio Lawrence Olivier a la mejor comedia. No sé si tal distinción es exagerada o no, ya que la historia no es nada novedosa, aunque pensándolo bien, no se ha escrito nada nuevo desde los griegos. Todas las historias hablan al fin y al cabo de lo mismo, de seres humanos. Ésta no es una excepción.

Gustave, Henri y Philippe, son veteranos de guerra, sí, pero no dejan de ser unos héroes de carne y hueso con los que cualquiera de nosotros podría sentirse identificado.

En realidad, lo que más destacable me parece de esta función son sus 3 estupendos intérpretes: Juan Gea, Luis Varela e Iñaki Miramón. Ellos son las 3 patas que sostienen esta historia y estoy segura de que sólo con cambiar a uno de ellos, “Héroes” resultaría muy distinta. No sé si mejor o peor, pero muy distinta.

Como ya he dicho en otras ocasiones, es un auténtico placer ver a los actores disfrutar tantísimo sobre el escenario, se lo pasan muy bien y eso se contagia. A mi juicio, son ellos 3 los que sobre todo consiguen que enseguida estemos interesados en seguir las peripecias de estos 3 amigos. Porque una vez más lo digo: para ver buen teatro lo imprescindible es un texto, unos buenos intérpretes y un público deseoso de que le cuenten una historia. En “Héroes”, estos tres elementos están presentes. Ahí lo dejo.