martes, 31 de diciembre de 2013

Mis espectáculos de 2013



Bueno, ya se acaba 2013, y como todos los años vengo a mostraros las lista de los espectáculos en directo que he podido ver estos 12 meses sobre los escenarios. Esta vez son 12, uno menos que el año pasado aunque lo cierto es que tenía entradas para 14 pero desgraciadamente no pude ir a ver dos de ellos. Ha habido de todos los géneros y espero que en 2014 sean todavía más a pesar de la crisis. Aquí va la lista:




Nada más por este año, ojalá el 2014 nos traiga más y mejores espectáculos en directo que compartir. ¡Feliz 2014!

miércoles, 25 de diciembre de 2013

El mundo como escenario




TÍTULO: "El veneno del teatro"
AUTOR: Rodolf Sirera
VERSIÓN: José María Rodríguez Méndez
INTÉRPRETES: Miguel Ángel Solá y Daniel Freire
DIRECCIÓN: Mario Gas





Un hombre espera. Es actor y tras terminar la función le han enviado recado para que acuda a la mansión de un hombre importante que quiere proponerle algo. Está impaciente, pasa el tiempo y su anfitrión no aparece. Sólo un mayordomo mayor y un tanto contrahecho lo observa detenidamente.

Así comienza “El veneno del teatro”, una obra escrita por Rodolf Sirera, dirigida por Mario Gas y protagonizada nada más y nada menos que por Miguel Ángel Solá y Daniel Freire.

La verdad es que me ha costado mucho ponerme a escribir esta reseña porque no sabía por dónde empezar ni hasta dónde contar para no destripar el argumento. Tras mucho cavilar he decidido que sólo contaré lo que os he dicho hasta ahora (los primeros segundos de la función), si queréis saber más os corresponderá a vosotros ir a verla y descubrirlo.

Sí diré que se trata de una función muy breve, una hora y diez minutos, en un principio cuando me enteré de la escasa duración que iba a tener la representación me sentí un poco decepcionada, pero debo decir que la obra no me decepcionó en absoluto y que cuando finalizó entendí perfectamente el porqué de su brevedad. Ahí lo dejo.

Ni qué decir tiene que con los intérpretes que tiene esta obra, la calidad actoral estaba asegurada. Debo decir que en la primera mitad de la función me pareció que Solá superaba con creces a Freire pero a medida que avanza la función éste último se crece y podríamos decir que el duelo queda en tablas.

Debo advertir, eso sí, que a lo largo del parlamento de los personajes se hacen bastantes reflexiones sobre el hecho teatral y el trabajo actoral, cosa que quizá pueda resultar un tanto tediosa para aquellos que no sean realmente muy aficionados al teatro y al trabajo de creación de personajes por parte de un actor. Eso sí, los que sepan lo que es la magia del teatro lo disfrutarán doblemente.

Y aquí termino mi reseña, creo que contar algo más sería contraproducente para aquellos que deseen acudir a descubrir cuál es el veneno del teatro así que sólo me queda animaros a que compréis la entrada si tenéis oportunidad. Están de gira.

domingo, 1 de diciembre de 2013

Clase magistral






TÍTULO: "Master Class"
AUTOR: Terrence McNally.
VERSIÓN: Fernando Masllorens y Federico González del pino.
INTÉRPRETES: Norma Aleandro, Lucía Silva, Carolina Gómez, Marcelo Gómez, Santiago Rosso y Hugo Argüello.
DIRECTOR: Agustín Alezzo.
 
 

María Callas fue una diva. Una grande. Como ya he dicho alguna vez aquí, no soy especialmetne aficionada a la ópera, pero no hace falta ser experto para apreciar el talento y el carisma de María Callas. Pues bien, se está reponiendo en los escenarios españoles, la obra “Master class” de Terrence McNally, que recrea las clases magistrales que María Callas impartió en la Julliard School de Nueva York una vez estuvo retirada del Bel canto.

Esta obra ha sido un gran éxito en todos los lugares del mundo donde se ha representado, pero el propio autor, tras ver en Buenos Aires a Norma Aleandro meterse en la piel de la gran diva, dijo que era la mejor versión de las que había visto hasta el momento a lo largo y ancho del mundo.

Tras ver la función se puede comprender perfectamente por qué lo dijo: ver a Norma Aleandro en escena es presenciar una master class de interpretación. Es tan grande que consigue que lo complicado parezca sencillo, que dé la impresión de que interpretar a una persona tan conocida y tan especial, es algo que puede hacer cualquiera.

No conozco las versiones anteriores de la obra, pero según tengo entendido, esta vez se ha querido dar más importancia que otras veces a los aspectos íntimos y personales de la vida de la soprano, lo cual creo que es un acierto, puesto que alguno de los momentos en los que María Callas rememora su pasado, están entre los más conmovedores de la función y calan hondo en el espectador.

No obstante, debo advertir, que esta no es una obra que haga las delicias de todo tipo de público. No es una historia con la estructura tradicional de planteamiento, nudo y desenlace, por lo que a ciertos espectadores puede resultarles un tanto lenta, sobre todo si no son aficionados a la ópera. Sin embargo, quiero desde aquí, implorar a todos aquellos que sean admiradores de la gran Norma Aleandro o que sientan curiosidad por conocer su trabajo, que no se pierdan “Master Class” si es que tienen oportunidad de verla, porque una actriz así sobre el escenario es algo que no se ve todos los días.

domingo, 17 de noviembre de 2013

Todos a una





TÍTULO: "Fuenteovejuna"
AUTOR: Lope de Vega
ADAPTACIÓN: Jose Manuel Caballero Bonald y Antonio Gades
DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Stella Arauzo
MÚSICA: Antón García Abril, Modest Mussorgsky, Música Barroca, Antonio Gades, Faustino Núñez y Antonio Solera
COREOGRAFÍA Y DIRECCIÓN: Antonio Gades




Un pueblo unido que se levanta contra los abusos del Comendador. Este sería en una sola frase el argumento de la obra de Lope de Vega, “Fuenteovejuna”, que la Compañía de danza del fallecido Antonio Gades pasea actualemente por los escenarios españoles.

Se trata del mismo montaje que el bailarín estrenó en la ópera de Génova en diciembre de 1994, que se ha respetado tal y como fue coreografiado y dirigido por él. Yo no he tenido la oportunidad de ver en escena a Antonio Gades, y ya no la tendré. Por eso no quería perderme la ocasión de ver al menos uno de sus espectáculos tal y como él lo diseñó.

Debo decir que, en cualquier caso, “Fuenteovejuna” no es una de mis obras preferidas de Lope, aunque es, sin lugar a dudas, una de las más reconocidas y alabadas. En este montaje, se puede apreciar toda su fuerza dramática, que el ritmo flamenco hace todavía más patente, y me gustaría destacar especialmente la capacidad interpretativa de Miguel Ángel Rojas en el papel del Comendador, que le imprime una brutalidad y una fuerza que consigue que no miremos a su personaje con buenos ojos.

La Compañía de Antonio Gades, es hoy en día, y ha sido siempre, uno de los estandartes de la Danza Española y Flamenca. Por ello, a lo largo de toda la representación, se puede admirar no sólo baile flamenco sino también otras modalidades de la danza española, como puede ser la jota aragonesa.

Lo que no termina de convencerme de este montaje, es precisamente eso, puesto que la obra se desarrolla en Fuenteovejuna, un pueblo cordobés, en el que me resulta difícil imaginar que durante las fiestas populares, los habitantes bailen, por ejemplo, una jota argonesa, por muy bien bailada que esté.

Por lo demás, no tengo nada que objetar en lo que se refiere a la ejecución de las diferentes coreografías del espectáculo. Estamos, en suma, ante una función que muestra distintas variantes del baile español, muy rico en musicalidad y ritmos. La única pega que puedo poner, si se me permite, es que quizá “Fuenteovejuna” no sea la historia más adecuada para mostrar algunas de ellas.

domingo, 6 de octubre de 2013

Dos hombres y un destino







TÍTULO: “El crédito”
AUTOR: Jordi Galcerán
INTÉRPRETES: Carlos Hipólito y Luis Merlo
DIRECTOR: Gerardo Vera



Desde el comienzo de este montaje (o esa es mi mpresión) se puede ver la mano en la producción de Pedro Larrañaga que últimamente está incorporando en sus producciones algunos fragmentos de vídeo a través de una pantalla situada en la parte superior del escenario, de manera que el espectador puede contemplar que es lo que ocurre fuera del único escenario en el que se desarrolla la acción.

Es un recurso que resulta útil, permite economizar en lo que a decorados se refiere y además no resta teatralidad a la historia que se está contando.

Elementos técnicos aparte, “El crédito” es puro teatro. Teatro con mayúsculas, de ése en el que lo primordial son los actores y el texto. ¡Ah! Y el público, claro. Esos son los 3 elementos sin los cuales el hecho teatral no existiría: la palabra, los transmisores y los recpetores de la misma.

Y en este caso la dirección de Gerardo Vera, director que quizá por ser también actor, deja mucha libertad a los actores a la hora de componer sus personajes, ha contado con dos de los mejores. Nada más y nada menos que Carlos Hipólito y Luis Merlo para dar vida a Antonio y al director de una sucursal bancaria que tratan de ponerse de acuerdo en relación a la concesión de un crédito.

Partiendo de esa premisa se podría obtener tanto un drama como una comedia, pero en esta ocasión, el reconocidísimo autor teatral Jordi Galcerán ha optado por la segunda opción. Estamos pues, ante una comedia, que en determinados momentos resulta desternillante pero también terrible. La pluma de Galcerán tiene la habilidad de convertir una historia, que llegado un punto podría resultar inverosímil, en algo que a todos nos parece posible e incluso probable. Y sólo un grande puede conseguir algo así, un grande acompañado de los mejores.

Por todo eso, y por muchas otras razones que podría daros, pero que ocuparían demasiado especio, os recomiendo, o más bien os ruego: ¡Id a verla!

domingo, 15 de septiembre de 2013

Momentos agridulces




TÍTULO: "Hermanas"
AUTORA: Carol López
INTÉRPRETES: Amparo Larrrañaga, María Pujalte, Marina San José, Amparo Fernández, Chisco Amado, Adrián Lamana.
DIRECCIÓN: Carol López.



 
Inés, Irene e Ivonne son tres hermanas y no las conocemos precisamente en su mejor momento. El cabeza de familia acaba de morir y las tres asisten junto con el novio y el hijo de una de ellas, y la madre, a su funeral.

Se trata de tres hermanas que no se ven precisamente todos los días, tienen sus más y sus menos, como ocurre en todas las familias, pero en medio de todos esos tiras y aflojas podemos ver que efectivamente, se quieren.

Carol López, ganadora del Premio Max a la Mejor Autora Teatral, firma y dirige este montaje, con un estilo muy personal. He sabido que el propio texto ha sido construido y reescrito a partir de las improvisaciones de los intérpretes durante los ensayos. Esto evidentemente le da una frescura y una rapidez a la función que se agradece y que nos permite comprobar la complicidad entre las actrices que plasman perfectamente ese tipo de relación que probablemente sólo puede darse entre hermanas.

No estamos, ante una comedia pura y dura, para nada, hay momentos de risas, sí, pero también hay momentos amargos, porque al fin y al cabo, la vida está hecha de eso, de momentos agridulces en los que podemos reír y después llorar a renglón seguido.

Tampoco estamos ante una función típica estructuralmente hablando, se nos presentan saltos temporales hacia delante y hacia atrás para darnos a conocer la evolución de los personajes. La música también está muy presente y sirve eficazmente para quitar hierro a determinadas situaciones.

Tan sólo hay un punto argumental que no terminó de convencerme. La reacción de los personajes ante una situación en concreto no me resulta verosímil, pero esta es sólo una opinión personal y no quiero dar más datos para no desvelar el argumento.

Evidentemente, el éxito de esta obra no sería posible sin las interpretaciones naturales y creíbles de sus actores, con una mención especial a María Pujalte que compone un personaje de gran dificultad.

Una obra, en su conjunto, a la que merece la pena acercarse para disfrutar y sufrir con las peripecias de sus personajes.

domingo, 1 de septiembre de 2013

El que parte y reparte...






TÍTULO: “Mitad y mitad”
AUTORES: Jordi Sánchez y Pep Anton Gómez
INTÉRPRETES: Fernando Tejero y Pepón Nieto
ESCENOGRAFÍA: Silvia de Marta y Max Glaenzel
MÚSICA ORIGINAL: Pere Hernández
DIRECCIÓN: Pep Anton Gómez


Llevaba mucho tiempo sin publicar una entrada en el blog, pero no se debe a que lo tuviera desatendido sino a que en estos meses veraniegos no he ido al teatro. Ahora la temporada comienza de nuevo y ya me he estrenado, confieso que con muy buen pie.

Fernando Tejero y Pepón Nieto (tanto monta, monta tanto), son Juan y Carlos, dos hermanos con caracteres bastante diferentes que tienen una madre que, según parece, está a punto de morir. A partir de esta situación aparentemente dramática, se despliega una comedia negra que casi no da respiro a las carcajadas de los espectadores.

No quiero desvelar nada más del argumento, para que os animéis a ir a verla vosotros mismos, pero sí diré que el éxito de una función como ésta sería imposible sin la presencia de dos actorazos que son capaces de dar a sus personajes todos los matices que éstos requieren, sorprendiendo continuamente.

Evidentemente, otro de los secretos de esta función es su texto. Escrito a cuatro manos por dos grandes de la comedia, Jordi Sánchez y Pep Anton Gómez, nos presenta a dos personajes con matices y mayor profundidad psicológica de lo que suele ser habitual en este género. Juan y Carlos, son dos hombres con sus luces y sus sombras, dos seres humanos con sus virtudes y sus defectos como podríamos ser cualquiera de nosotros.

Y es que como muy acertadamente señalan los autores en el programa de mano, “la realidad siempre supera la ficción”, y precisamente por eso nos encontramos ante una comedia que por detrás de las carcajadas nos hace pensar e incluso a veces, asustarnos de nosotros mismos.

No quiero terminar esta reseña sin mencionar, la estupenda escenografía de Silvia de Marta y Max Glaenzel que junto ocn la música de Pere Hernández, contribuye a crear el ambiente adecuado para el desarrollo de la historia.

Vamos, que no os la podéis perder.

domingo, 23 de junio de 2013

Velada en un conventillo porteño




TÍTULO: "La luna en el conventiyo"
MÚSICA: Exilio New Tango: piano (Cristian Moya), contrabajo (Emiliano Roca), bandoneón (Darío Polonara.
VOZ: Fernando Valsega.
BAILE: Gisselle y Gabriel. 



Los que seguís el blog habitualmente ya sabréis que me encanta lo argentino. No sé bien por qué pero tengo auténtica fijación con ese país. Creo que de alguna manera lo que viene de allí lo siento como mío.

Recientemente he tenido la oportunidad de disfrutar de un espectáculo con un claro sabor argentino, o más concretamente, con sabor Porteño. Se llama “La luna en el conventiyo” y trata de recrear el ambiente que se respiraba en los llamados conventillos de Buenos Aires a los que llegaban emigrantes de todas partes del mundo y especialmente de Europa.

Como no podía ser de otra manera tratándose de Buenos Aires se trata de un espectáculo tanguero lleno de tangos, valses y milongas que nos trasladan de forma imaginaria a esa ciudad que tantas veces ha abierto sus brazos acogedoramente a tantos de los nuestros.

Los chicos de la orquesta “Exilio New Tango” al piano, bandoneón y contrabajo acompañados de la voz del periodista argentino y locutor radiofónico Fernando Valsega, hacen las delicias de un público ávido de escuchar tango en directo. En algunos de los temas pudimos disfrutar además del buen hacer en el baile de Gisselle y Gabriel cuyos pies no podíamos dejar de seguir con la vista mientras hacían auténticas virguerías al ritmo de tangos y milongas.

Es una pena que no se dé más publicidad a espectáculos como este, porque estoy segura de que serían muchos más los aficionados que se acercarían a verlos si tuviesen conocimiento de ellos. Yo, humildemente desde este blog, quiero poner mi granito de arena y avisar a todo el que me lea de que no se pierdan “La luna en el conventiyo” si se acerca por su ciudad. Es todo un viaje a la ciudad de Buenos Aires capaz de “poner los dientes largos” a cualquier espectador.

domingo, 2 de junio de 2013

Un viaje a través de la música






TÍTULO: “A los hombres que amé”
INTÉRPRETE: Ana Belén

Ana Belén ha querido con esta gira llevarnos de su mano y presentarnos a los hombres más importantes de su vida musicalmente hablando. Con ella hacemos un paseo por la música de autores como Pedro Guerra, Sabina, Víctor Manuel, Jose Alfredo Jiménez, Aute y otros grandes.

A veces pienso que debería estar prohibido que tanto talento se concentre en una misma persona. Es el caso de Ana Belén: Actriz y cantante sobradamente conocida sabe a la perfección como meterse al público en el bolsillo. No se trata sólo de cómo canta sino fundamentalmente de cómo interpreta y como “cuenta” las canciones.

Entre canción y canción explica de manera sencilla cómo fue su acercamiento al siguiente tema y sabe hacer esas pausas dramáticas que consiguen arrancar la risa del público o emocionarle según convenga.

Se trata de un espectáculo sobrio con unos pocos elementos escénicos, un bombín, una flor, una vieja maleta…nada más. No hace falta nada más para disfrutar de la música y el talento de una artista que durante dos horas largas que se hacen cortas, nos transporta a otros lugares, otros ritmos y otras épocas y nos hace desear que el tiempo se detenga y la noche de múscia no termine nunca.

domingo, 5 de mayo de 2013

Rumbo al fin del mundo en taxi





TÍTULO: “Fisterra”
AUTOR: Ferrán González
INTÉRPRETES: Eva Hache y Ángeles Martín
DIRECTOR: Víctor Conde

Dos mujeres, una taxista gallega y una señora catalana de mediana edad van a compartir un viaje en taxi que dará un giro a sus vidas. Partiendo de esta situación se podrían haber escrito un sinfín de obras de teatro de diversos géneros, pero Ferrán González ha optado, sin ningún género de dudas, por la comedia pura y dura.

No voy a desvelar nada más del argumento porque creo que debéis descubrirlo por vosotros mismos acudiendo a verla, ya que si contara algo más aquí, la función perdería la frescura que la caracteriza.

Víctor Conde, exitoso director de otras obras como “Crimen perfecto” o “Pegados”, dirige este montaje desde la sencillez y el minimalismo, dando prioridad a ese elemento sin el cual ninguna obra de teatro tendría sentido: los intérpretes. En este caso Eva Hache y Ángeles Martín son las dos actrices que se meten en la piel de estas dos mujeres a punto de emprender un viaje realmente especial.

Ambas hacen las delicias del público en sus respectivos papeles, impregnando la función de una energía y un ritmo que resultan esenciales para el éxito de la misma. La verdad es que me hubiera gustado poder ver a Ana Diosdado sobre el escenario (causó baja en la función por problemas de salud), pero siempre he sido también admiradora de Ángeles Martín que indefectiblemente dota a sus personajes de la energía y el carácter necesarios para que resulten verosímiles sea cual sea su condición.

Debo decir, no obstante, que el final me desconcertó un poco y quizá hubiera preferido algo más claramente definido, pero, en todo caso, se trata de una simple cuestión de gusto personal.

En suma, una función que hará pasar un buen rato a todos los que se acerquen hasta el teatro para verla.

domingo, 14 de abril de 2013

El deseo de ser madre





TÍTULO: “Yerma”
AUTOR: Federico García Lorca
MÚSICA: Enrique Morente
ESCENOGRAFÍA: Mónica Boromello
INTÉRPRETES: Silvia Marsó, Marcial Álvarez, Chema León, María Álvarez, Eva Marciel, Roser Pujol, Carmen Navarro, Asunción Díaz Alcuaz, Alba Alonso, Mona Martínez, Soleá Morente, Paloma Montero, Emilio Gómez, Antonio Escribano.
DIRECCIÓN: Miguel Narros


Yerma tiene sólo tiene un deseo. Quiere tener un hijo. Desea poder acunar en sus brazos un hijo propio porque siente que se le van a volver de hielo de sostener a los hijos de los demás. Su deseo es cada vez mayor y cada vez son menores sus esperanzas. Ése es su drama.

Federico García Lorca nos retrata con gran maestría y acierto esos deseos insatisfechos de ser madre a través de la obra “Yerma”. Tenía muchas ganas de verla pero también un cierto recelo porque había oído tanto críticas muy buenas, como otras que no lo eran tanto acerca de esta versión. Por suerte, a mí me ha gustado.

Miguel Narros dirige un montaje que es absolutamente fiel al texto original, no emplea más artificios porque realmente no son necesarios, la palabra escrita por el poeta lo dice todo. Se trata de una obra cargada de simbolismo y poesía, en ella asistimos a la tristeza de Yerma y a las habladurías de los pueblos pequeños, a las supersticiones y a las romerías. Podría decirse que en Yerma existe todo un microuniverso, el de los pueblos pequeños de la España profunda.

Los símbolos habituales en Lorca, como la fertilidad simbolizada por el agua y la tierra como madre están muy presentes. La música del gran Enrique Morente ayuda, sin duda, a crear ambiente y a dotar de mayor dramatismo a las escenas que lo requieren, sobre todo, a medida que se aproxima el desenlace.

La escenografía creada por Mónica Boromello aúna todos los elementos necesarios de una manera sobria y austera, como le hubiera gustado al autor. Y la llegada de la lluvia en determinado momento hace concebir esperanzas al espectador que no conozca el desenlace.

Silvia Marsó en el papel protagonista está correcta, si bien creo, gana credibilidad a medida que el dramatismo de la historia va in crescendo. La acompañan un amplia galería de personajes que ayudan a situar al espectador y a hacerse idea de la magnitud de la tragedia que se aproxima.

Sin duda, “Yerma” al igual que las otras obras de Lorca fue escrita con la finalidad principal de ser representada, y creo que su fuerza sigue vigente hoy día y gana intesidad gracias a su representación sobre las tablas. Estoy segura de que si Don Federico levantara la cabeza, quedaría encantado con este montaje.

jueves, 4 de abril de 2013

Visibilizar la injusticia






TÍTULO: “Un trozo invisible de este mundo”
AUTOR: Juan Diego Botto
INTÉRPRETES: Juan Diego Botto y Astrid Jones
DIRECCIÓN: Sergio Peris-Mecheta

 

Estamos acostumbrados a mirarnos el ombligo, tanto es así que parace que si las cosas no ocurren justo a nuestro lado, no suceden. No somos muy amigos de mirar a nuestro alrededor y ser conscientes de que aunque nosotros podamos estar pasándolo mal, seguramente hay otros que lo están pasando aún peor.

Nos resulta más fácil aferrarnos a los clichés y a los tópicos: Los inmigrantes vienen a quitarnos el trabajo (sin pensar que muchos de “los nuestros” fuero emigrantes hace unas cuantas décadas y ahora están volviendo a serlo), son todos delincuentes, nos toman por tontos etc.

La función “Un trozo invisible de este mundo” viene a destruir muchos de esos tópicos y a enseñarnos una realidad que también está junto a nosotros aunque a veces, prefiramos mirar hacia otro lado y seguir a lo nuestro.

Se trata de una obra constituida por 5 monólogos magníficamente interpretados por Juan Diego Botto y Astrid Jones. Botto es además el autor de los textos, para cuya composición se ha basado en historias reales proporcionadas por su propia familia de argentinos en el exilio, y por otros inmigrantes a los que ha tenido la ocasión de conocer.

A pesar de la dureza de la temática a tratar (inmigración y exilio), no faltan momentos en los que el público puede reír ante la contemplación de las llamadas a veces algo surrealistas que algunos de estos inmigrantes realizan a sus países de origen en un locutorio. Pero ante todo y sobretodo, nos encontramos ante una obra que toca la fibra sensible del espectador y lo conmociona, especialmente cuando se tratan los temas de los exiliados de la dictadura argentina o los inmigrantes en los Centros de Internamiento para Extranjeros (CIEs).

Se trata de una sacudida a nuestras conciencias para que seamos conscientes de que por una simple cuestión de azar, podríamos encontrarnos al otro lado, en el lado de esos que están sufriendo o han sufrido aún más que nosotros y a los que a veces no somos capaces de mirar a la cara como a iguales.

Siempre he sentido admiración por esas personas que son capaces de dejar todo lo que tienen, y empezar de cero tan valientemente. Esta obra dirigida por Sergio Peris Mencheta que con gran acierto, trata de involucrar al espectador desde el principio, me ha confirmado en mi opinión, y ha hecho que mi admiración se acreciente. Ojalá nunca tengamos que vernos en ese tipo de situaciones.

domingo, 17 de febrero de 2013

Póquer de ases





TÍTULO: “Azabache. 20años”
ORQUESTA: Orquesta Sinfónica del Aljarafe
DIRECTOR: Jose Miguel Évora
INTÉRPRETES: Pasión Vega, Pastora Soler, Diana Navarro y Manuel Lombo.


La copla no ha muerto. Puede que durante algunos años cayera en el olvido por ser considerada algo caduco y trasnochado, pero, desde luego, no había muerto y se podría decir que en los últimos años ha resurgido con la fuerza de siempre para volver a ocupar el lugar que le corresponde por derecho.

Una copla es una historia de amor, con planteaminento, nudo y desenlace contada en tres minutos. Su fuerza radica en su letra y su música, pero también, por supuesto en sus intérpretes. ¿Quién no recuerda la versión de “María de la O” popularizada por Marifé de Triana (que en paz descanse)? ¿O la de “La Zarzamora de Lola Flores?

Durante cierto tiempo dio la impresión de que ya estaba todo hecho en el mundo de la copla, que todo estaba dicho, las grandes intérpretes habían fallecido o se habían retirado y existían muchas dudas acerca de la posibilidad de un relevo generacional. El espectáculo “Azabache. 20 años después” nos demuestra que la copla todavía tiene mucho que decir y que emocionar.

Este espectáculo nació como conmemoración de aquel “Azabache” de Sevilla ’92 que encandiló al mundo. No era posible resucitarlo con las figuras de entonces y por eso se decidió darle un nuevo aire con 4 jóvenes intérpretes de nuestros días, que si bien hoy en día cantan fundamentalmente otros géneros, empezaron con la copla y no han olvidado su influencia.

Gracias a esa idea tenemos la suerte de ver sobre el mismo escenario a Pasión Vega, Pastora Soler, Diana Navarro y Manuel Lombo, cuatro figuras de nuestra música popular y de lo que les pongan por delante. Creo que lo mejor de este espectáculo es que ninguno de ellos ha renunciado a llevarse las más conocidas coplas a su propio terreno, de manera que suenan con la fuerza de siempre pero, en cierta forma, renovadas.

Personalmente, los que seguís este blog ya sabéis que siento una especial debilidad por la voz y la forma de interpretar de Pasión Vega, pero reconozco que se trata simplemente de una cuestión de gusto personal y que aquí los 4 artistas que nos ocupan son por méritos propios cuatro grandes.

Acompañados por la Orquesta Sinfónica del Aljarafe dirigida por el maestro Jose Miguel Évora, estos cuatro jóvenes nos llevan de la mano por las coplas más emblemáticas en un espectáculo de casi tres horas que se hace corto. La orquesta aporta tronío y majestuosidad a las coplas, aunque yo reocnozco, que agradecí enormemente los 4 temas interpretados únicamente con acompañamiento de guitarra; me hubiera gustado que fueran algunos más.

Quisiera hacer mención también al magnífico vestuario de los intérpretes, destacando especialmente algunos trajes de flamenca lucidos por Pastora Soler y Diana Navarro y firmados por Vicky Martín Berrocal.

En suma, un espectáculo que va camino de hacer historia como ya lo hiciera en su día aquel Azabache del ’92.