jueves, 31 de diciembre de 2015

Mis espectáculos del 2015

mis espectáculos 2015


Un año más no quería faltar a esta cita para contaros cuáles han sido los espectáculos que he tenido la fortuna de ver durante este año 2015. Es momento de hacer recuento y como tampoco voy al teatro u otros espectáculos en directo tanto como me gustaría, no me quiero dejar ninguno. Aquí están todos los que he visto este año: comedia, conciertos, drama, tragedia, intriga, musicales... un poquito de todo. Todos están reseñados en el blog así que si queréis saber qué me parecieron sólo tenéis que pinchar en el enlace correspondiente.

- "Lluvia constante"

- "En construcción"

- "El arte de la entrevista"

- "Olivia y Eugenio"

- "Don Juan Tenorio"

- "El zoo de cristal"

- Concierto de Pasión Vega: "Pasión por Cano" (2 veces)

- "La viuda alegre"

- Ballet flamenco de Sara Baras: "Voces"

- Concierto de Raphael: "De amor y desamor"

- "Enfrentados"

- "Sister Act. El musical"

- "El discurso del rey"

- "Buena gente"

- Concierto de Ana Belén y Víctor Manuel: "Canciones regaladas"

- "Medea" versión protagonizada por Ana Belén

- "Nuestras mujeres"

- "Atchúusss"

- "La plaza del diamante"

En total 19 espectáculos, uno de los cuales he podido repetir. Creo que es un balance que no está nada pero que nada mal. Ahora os invito a que me contéis vosotros si habéis visto alguno de estos espectáculos y qué os pareció. Y si no... ¿Qué espectáculos en directo habéis visto vosotros en 2015?

Nada más por hoy. Que tengáis una buena salida y entrada de año y que el 2016 os traiga y nos traiga mucha salud y más espectáculos en directo.


lunes, 14 de diciembre de 2015

La plaza del diamante o historia de una vida



TÍTULO: "La plaza del diamante"
AUTORA: Mercè Rodoreda
ADAPTACIÓN: Joan Ollé y Carles Guillén
DIRECCIÓN: Joan Ollé
INTÉRPRETE: Lolita Flores

 

 Dicen que de cualquier vida se podría escribir una novela o hacer una película, que todos tenemos una historia que merece la pena ser contada. Es posible que eso sea verdad, en cualquier caso, La Colometa, una de las protagonistas de la novela de Mercé Rodoreda, “La plaza del diamante” sí que tiene una vida que merece ser contada, o al menos así lo ha considerado Joan Ollé que ha decidido adaptarla y dirigirla convertida en un monólogo.

Si ya de por sí no es tarea fácil adaptar una novela al teatro, menos aún lo es convertir una novela con numerosos personajes en un monólogo. Quizá sea por eso que a mi juicio, al terminar la representación al espectador le quedan alglunas pequeñas dudas si no ha leído el libro. Son dudas menores que no tienen demasiada importancia pero que ahí están.

Lo que está claro es que un monólogo se sostiene gracias a su intérprete y en este sentido, Joan Ollé ha dado en el clavo eligiendo a Lolita Flores. Una actriz con mayúsculas que merece muchas más oportunidades de las que se le han dado hasta ahora en el mundo de la interpretación. Todas las veces que Lolita ha encarnado a una protagonista, sea la Chelo de “Rencor” o la Ana de “Ana en el trópico” lo ha hecho con solvencia y maestría y ello hace que me pregunta sin cesar cada vez que la veo por qué no la llamarán más.

Bueno, en fin, da igual. Joan Ollé sí ha apostado fuerte por ella y ha ganado, porque Lolita encarna a La Colometa de una forma creíble, cercana y conmovedora y después de verla no podrías imaginarte a otra persona en ese papel.

La puesta en escena es minimalista por no decir casi inexistente. Sólo un banco de esa Plaza del Diamante y una guirnalda de luces de colores que se encienden de una forma u otra en función de las necesidades de cada parte de la historia. También la música acompaña en algunos momentos fundamentalmente para aligerar el peso dramático de la historia.

Aparte de la interpretación, una de las cosas que más me ha gustado de esta función es que me da la impresión de que de alguna manera recupera el arte de contar historias de viva voz, esas historias en las que la imaginación del público juega un papel muy importante. Es una gozada que existan en nuestros escenarios propuestas así.

Y ahí lo dejo. No quiero desvelar nada más. Espero haberos puesto los dientes suficientemente largos como para que vayaís a verla si pasa cerca de vosotros. Os aseguro a pesar de su apabullante sencillez, es todo un acontecimiento.
 



domingo, 29 de noviembre de 2015

Atchúuss, homenaje al teatro



TÍTULO: "Atchúusss"
AUTOR: Antón Chéjov
ADAPTACIÓN: Enric Benavent y Carles Alfaro
INTÉRPRETES: Malena Alterio, Ernesto Alterio, Enric Benavent, Adriana Ozores y Fernando Tejero
DIRECCIÓN: Carles Alfaro



El dramaturgo ruso Chejov es conocido por todos por sus impresionantes obras dramáticas como “El tío Vania”, “La gaviota” o “El jardín de los cerezos”. Menos conocidas son algunas piezas de carácter cómico y “alimenticio” que escribió en su juventud. Precisamente con algunas de esas piezas, concretamente 5, es con las que se ha tejido la función de la que voy a hablar en esta ocasión: “Atchuss”

A través de “Atchúusss” descubrimos al Chejov más socarrón y humorístico además de a un hombre muy observador con un agudo sentido crítico. En este caso la adaptación de los textos ha corrido a cargo de uno de los actores, Enric Benavent y del director de la función, Carles Alfaro.

Además de una puesta en escena de los textos de juventud de Chéjov, se podría decir que “Atchúusss” es también y sobre todo un homenaje al teatro: al arte de contar historias para entretener y divertir al público.

La escenografía diseñada también por el propio Carles Alfaro es muy útil en este sentido y permite al público ser casi partícipe de lo que ocurre en el backstage, entre bambalinas. Cuando la iluminación lo permite y los grandes espejos del fondo de la escena se convierten en cristales normales y corrientes, el público puede ver a los actores acicalándose y vistiéndose para meterse en la piel de un nuevo personaje.

Si algo hay que destacar de este montaje son sus intérpretes ya que la mayoría de ellos se meten en la piel de 4 o 5 personajes a una velocidad vertiginosa y hay que saber valorar el esfuerzo que eso supone y el talento que requiere.

Se podría decir que como ocurre siempre que son varios textos los que se ponen en escena, unos son más efectivos y gustan más que otros. En este caso, mis favoritos han sido “La institutriz” y “La pedida de mano”. Y los intérpretes que mejor han sabido encandilarme han sido los tres que protagonizan estas piezas: Fernando Tejero, Malena Alterio y Adriana Ozores a la que por fin he tenido la oportunidad de ver en directo y que me ha gustado tanto como esperaba.

En suma un espectáculo agradable y entretenido que nos permite acercarnos al Chéjov más desconocido y divertido.

domingo, 8 de noviembre de 2015

Nuestras mujeres, puestos a prueba por ellas

nuestras mujeres teatro


TITULO: "Nuestras mujeres"
AUTOR: Eric Assous
INTÉRPRETES: Gabino Diego, Antonio Garrido y Antonio Hortelano
DIRECCIÓN: Gabriel Olivares




En “Nuestras mujeres” las mujeres no aparecen físicamente. Estamos ante una reunión de tres amigos para jugar la partida, sin embargo, sus mujeres, sus chicas, están presentes a lo largo de toda la función en sus conversaciones y en sus pensamientos.

Lo que iba a ser una agradable noche de viernes para estos 3 hombres, se convierte en poco menos que una pesadilla ya que uno de ellos ha cometido algo terrible, y creo que lo puedo desvelar porque ya se habla de ello en la sinopsis de la función: Simon ha matado a su mujer.

El drama está servido. O eso pensaba yo, tonta de mí, cuando compré la entrada. Creía que se trataba de una obra más bien dramática. Me equivoqué y entono el mea culpa, “Nuestras mujeres” es sobre todo una comedia y quizá precisamente por eso no me ha terminado de convencer.

Me parece que los momentos de la función que tienen contenido dramático están más conseguidos que los otros. No he visto el original francés pero a mi juicio, al menos en esta versión, al personaje de Max interpretado por Antonio Garrido se le ha dado un enfoque demasiado histriónico que resulta un poco forzado. ¡Ojo! Simplemente estoy dando mi opinión porque a juzgar por las carcajadas del público es obvio que a la gente ese histrionismo le gustaba, y mucho.

Dicho esto tengo que añadir que la función es original y entretiene en todo momento. El punto de partida es realmente muy interesante, pues da mucho juego para poner sobre la mesa reflexiones de toda índole.

En cuanto a las interpretaciones he de decir que los 3 están bien, aunque me gusta especialmente la de Antonio Hortelano, que curiosamente a pesar de ser el desencadenante del conflicto, es el que tiene un papel más corto. Ha sabido darle a su personaje un enfoque dramático a la par que contenido muy creíble. Quizá es por ese dramatismo por lo que su personaje y su interpretación son los que más me han gustado.

En conclusión, el que quiera ver una función original, entretenida y bien interpretada aunque a mi juicio llevada un poco al extremo de la comicidad, que esté atento a la gira de “Nuestras mujeres”.

domingo, 25 de octubre de 2015

Medea, la lucha entre la madre y la esposa


Medea



TÍTULO: “Medea”
AUTORES: Eurípides, Séneca y Apolonio de Rodas
ADAPTACIÓN: Vicente Molina Foix
ESCENOGRAFÍA: Francisco Leal
VESTUARIO: Pedro Moreno
INTÉRPRETES: Ana Belén, Adolfo Fernández, Consuelo Trujillo, Luis Rallo, Poika Matute, Alberto Berzal, Olga Rodríguez, Leticia Etala y Horacio Colomé.
DIRECCIÓN: José Carlos Plaza


Puede que sea muy repetitiva, pero lo tengo que decir una vez más: Ana Belén nunca defrauda. Toca todos los palos y todos los toca bien.

En esta ocasión he tenido el placer de verla encarnando a Medea, la princesa hechicera que lo abandona todo por un hombre y después se siente traicionada y clama venganza.

A lo largo de la historia se han escrito multitud de adaptaciones sobre este mito, en esta ocasión es Vicente Molina Foix el encargado de traerlo a las tablas basándose en los textos de Eurípides, Séneca y Apolonio de Rodas. Pero que a nadie asuste la antigüedad de esta historia, Medea es un clásico y como tal está tan vigente hoy en día como lo estaba antes de Cristo.

Medea es una tragedia pero también es una historia de amor, de pasión, de fuerza y sobre todo, de la lucha entre las dos facetas de una mujer: esposa y madre. Probablemente todo el mundo conoce lo que ocurre en esta tragedia pero por si hay alguien que no lo sabe, no seré yo quien lo desvele en esta reseña. En todo caso, hay una escena especialmente emocionante en la que Ana Belén, o más bien Medea, se debate entre escuchar a su corazón o a su cabeza y que pone los pelos de punta al espectador.

 Para no resultar pesada no voy a decir nada más de Ana Belén en esta reseña. Está espléndida como siempre y siempre sorprende. Pero además, este montaje también ha sido para mí el del descubrimiento de Consuelo Trujillo en el papel de la matrona, papel que por cierto, y según palabras del propio Molina Foix ha sido aquí muy libremente recreado, en mi opinión con gran brillantez.

Consuelo Trujillo es una actriz sobradamente curtida sobre las tablas pero a la que yo aún no había tenido oportunidad de ver en directo, y debo decir, que junto al personaje e interpretación de Medea es uno de los grandes atractivos de esta función. Trujillo de vida a esa nodriza que quiere pero a veces también teme a Medea. Algunas de las frases que salen de su boca son oro puro.

No me puedo olvidar de la maravillosa escenografía de Francisco Leal que nos traslada a Corinto con sus palacios, sus olivares, y casi podría decir que su olor a mar.

El vestuario de Pedro Moreno también es maravilloso, apropiado para la época, sobrio, y al mismo tiempo embellecedor.

No puedo, o mejor dicho, no debo decir mucho más si no quiero destripar la función. Creo que lo mejor es ir a verla y disfrutar en directo de la magia del teatro, una magia que ya existía hace más de dos mil años y que sigue hoy en día tan viva como entonces. La Medea de Ana Belén es sin duda un espectáculo que nadie debería perderse.

viernes, 9 de octubre de 2015

Regalo para los oídos

"Canciones regaladas" Ana Belén y Víctor Manuel


TÍTULO: "Canciones regaladas"
INTÉRPRETES: Ana Belén y Víctor Manuel



No pertenezco a su generación pero sus canciones forman parte de la banda sonora de mi vida. Aún recuerdo qué bien me lo pasaba cuando tenía 6 años y escuchaba “La puerta de Alcalá”, esa canción llena de fuerza, optimismo y buenas vibraciones.

Y es que la música, o mejor dicho, la buena música, no tiene edad y es capaz de emocionar al público más variopinto. Por eso estoy encantada de haber podido asistir al penúltimo concierto de la gira “Canciones Regaladas” de Ana Belén y Víctor Manuel.

En esta ocasión, la carismática pareja ha recorrido España para presentar el disco del mismo nombre en el que desgranan mano a mano 12 de sus canciones favoritas, canciones de autores tan diversos como Jose Alfredo Jiménez o Rubén Blades, pero además, nos regalan a su público un buen número de sus grandes éxitos, temas conocidos por todos, como “Derroche” y “El hombre del piano” en el caso de Ana, y “Asturias” y “Sólo pienso en ti” en el de Víctor.

No podían faltar tampoco sus dúos emblemáticos: “La puerta de Alcalá” o “Contamíname” entre ellos. La verdad es que yo siempre he sido más de Ana que de Víctor, me apasiona su voz así como su manera de interpretar. Para los que seguís habitualmente este blog, esto no será ninguna sorpresa puesto que he hablado de ella en varias ocasiones en sus múltiples facetas. Basten estos ejemplos:

-         Kathie y el hipopótamo
-         A los hombres que amé” 

En todo caso, reconozco el talento de Víctor Manuel, especialmente como compositor de algunos temas sin los cuales la historia de la música española no sería la misma. Además, considero que el dúo formado por ambos tiene difícil comparación en lo que a complicidad se refiere. Creo eso sí, que los incondicionales de Víctor Manuel echarían de menos su interpretación de “El abuelo Vítor”, que no sé por qué razón no se ha incluido en esta gira o al menos en el concierto en el que yo estuve.

Yo personalmente tamién echo de menos siempre ese maravilloso tema de “España camisa blanca de mi esperanza” que nunca tengo oportunidad de escuchar en directo porque Ana Belén no lo interpreta en los conciertos que ofrece en el País Vasco y en Cataluña. Entiendo la precaución para evitar herir ciertas susceptibilidades políticas, pero la verdad es que a mí me gustaría escucharlo.

En cualquier caso, ambos artistas ofrecen un espectáculo magnífico durante dos horas y media, acompañados por ocho músicos increíbles y por unas proyecciones que hacen las veces de escenografía y que mejoran aún más el ambiente del concierto.

No puedo deciros que no os perdáis la gira porque termina hoy 9 de octubre en Madrid, así que sólo diré a los que no la habéis podido disfrutar que lo siento por vosotros. Como guinda a esta reseña, quiero dejar mi canción preferida del álbum que da nombre a la gira: “Cómo pudiste hacerme esto a mí” Y me despido con una pregunta: ¿Es que puede haber alguien a quien esto no le guste?




domingo, 27 de septiembre de 2015

De buena gente y madres coraje

buena gente


TÍTULO: Buena gente
AUTOR: David Lindsay-Abaire
VERSIÓN Y DIRECCIÓN: David Serrano
INTÉRPRETES: Verónica Forqué, Juan Fernández, Pilar Castro, Susi Sánchez y Diego París.



Iba a comenzar esta reseña diciendo que los pilares de la obra “Buena gente” son dos: el texto y los actores, pero rectifico: los pilares de esta función son sus personajes y sus intérpretes que de alguna forma son casi la misma cosa.

El texto de David Lindsay-Abaire es efectivamente muy bueno, lo avalan el éxito tanto de público como de crítica en Broadway y su nominación a los Premios Tony como mejor obra del año 2011. Pero, ¿qué es lo que hace a ese texto tan bueno? Los personajes.

Porque los personajes de “Buena gente” somos todos. Y no me refiero a que algunos de nosotros seamos Margarita, otros Raúl, otros Loli, Patricia, Gloria o Luis, no. Me refiero a que todos nosotros somos unas veces Margarita, otras veces Raúl, otras veces Patricia…porque esa es la magia de estos personajes: que son muy humanos y como tales seres humanos actúan unas veces bien y otras veces no tan bien o incluso mal. A pesar de que la mayoría de las veces quieran e intenten ser buenas personas.

“Buena gente” nos cuenta la historia de Margarita, una madre coraje, soltera, con una hija deficiente y que se queda en el paro cuando le falta poco para cumplir 60 años. Obviamente nos encariñamos con ella desde la primera escena porque conocemos esa historia, su historia, desde el arranque de la función. Por su boca salen grandes verdades pero también es cierto que de boca de otros personajes también salen verdades como puños, incluso aunque en alguna ocasión le lleven la contraria a Margarita.

Estamos ante una obra que sabe utilizar el humor para contar una historia dramática y eso es muy difícil. Además es una función que nos hace reflexionar y que entre carcajada y carcajada, también nos hace quedarnos en silencio en la butaca repitiéndonos algunas de las frases que acabamos de escucharles a los personajes.

No quiero desvelar más de la historia pero creo que posiblemente cada espectador que acuda a verla, hará una lectura propia de la misma, porque es un texto que admite una lectura universal pero también tantas lecturas diferentes como espectadores vayan a verla.

Pero ya he dicho al comienzo que son dos los pilares de esta función. Porque hacen falta muy buenos intérpretes para poner en pie una historia como esta. Creo que para los que leéis habitualmente este blog no será ninguna sorpresa mi admiración por Verónica Forqué, ya la expresé en la reseña de Shirley Valentine  y tras volver a verla sobre las tablas con esta función la mantengo y reafirmo.

Verónica encarna aquí a Margarita y sabe darle todos esos matices que el personaje requiere, tierna, dulce y más descarada en otros momentos. Todo ello sin dejar de lado esa forma de decir las cosas con que Verónica impregna más o menos a todos sus personajes y que hacen que los que la admiramos disfrutemos tanto con ella.

Una buena protagonista no es nada si no tiene unos compañeros que le den una réplica a la altura. En este caso tanto Juan Fernández como Pilar Castro en sus dos papeles tan distintos, Susi Sánchez y Diego París completan un elenco altamente eficaz y brillante.

En resumen, una función que no conviene perderse porque nos hace reflexionar y al mismo tiempo divertirnos.

domingo, 20 de septiembre de 2015

La importancia real de un discurso

El discurso del Rey
Un momento de la representación de "El discurso del Rey"




TÍTULO: “El discurso del rey”
AUTOR: David Seidler
VERSIÓN: Emilio Hernández
INTÉRPRETES: Adrián Lastra, Roberto Álvarez, Ana Villa, Gabriel Garbisu, Lola Marceli, Ángel Savín.
COREOGRAFÍA: Fuensanta Morales
DIRECCIÓN: Magüi Mira

Hace ya 4 años que reseñé en este blog la película “El discurso del Rey”. Como podréis observar al leer la reseña, me gustó muchísimo y por eso tenía mis reticencias a la hora de ir a ver la adaptación teatral. No obstante, dado que había cosechado buenas críticas durante su estancia en Madrid, me decidí.

Me alegro de haber ido. La función me ha gustado aunque obviamente su desarrollo argumental no me ha sorprendido porque conocía de sobra la historia. No obstante, Magüi Mira que se está convirtiendo en una de las directoras de mayor éxito del panorama teatral español actual, ha sabido darle una orientación ligeramente distinta para conseguir que no estemos comparándola constantemente con el largometraje.

Una de las innovaciones que ha introducido ha sido el hacer permanecer en escena a todos los personajes durante la representación. Los personajes que no intervienen quedan en un segundo plano como meros espectadores, o realizan una serie de gestos en lo que a mí personalmente me ha parecido una especie de homenaje a los corifeos del teatro griego. En cualquier caso, es una interpretación personal y no sé si era la intención de la directora.

Esta novedad añade en ocasiones dramatismo y fuerza a la escena, pero creo que otras veces, al común de los mortales se nos escapa su significado concreto. Si habéis visto la función y tenéis otra interpretación, os agradecería que me la dejárais en los comentarios.

También la música y la coreografía juegan un papel bastante importante. No os equivoquéis, no se trata de teatro musical, ni mucho menos. Simplemente hay pequeñas coreografías que ayudan a desengrasar y satirizar determinados mometos de la función. Una apuesta arriesgada de la dirección que no será del gusto de todos, pero que funciona bastante bien.

Difícilísimo es el papel del Rey que borda Adrián Lastra consiguiendo dotar a su personaje de la majestad y a su vez la fragilidad que requiere. El silencio sobrecogedor en el patio de butacas cuando el rey se enfrenta a sus dificultades en el habla, dice mucho a favor de su interpretación.

Roberto Álvarez de vida al que posiblemente sea el personaje más agradecido de la funicón, el del doctor Logue, que pone todo su empeño en ayudar al protagonista a saltar barreras y vencer dificultades. La vida de todos sería más fácil si contáramos con un personaje así de nuestra parte.

En la parte femenina del elenco destaca Ana Villa en el papel de Isabel, la esposa del protagonista: esa mujer enamorada del hombre, que no del rey, que sabe permanecer a su lado en todo momento y en segundo plano cuando es necesario.

Me gustaría destacar el trabajo de esta actriz sobre todo en los fragmentos en que su personaje interviene en la escena pero no habla. A diferencia de de lo que aún sostienen algunos defensores a ultranza del séptimo arte por encima del arte de Talía, yo pienso que el teatro es un continuo primer plano, al menos para los espectadores que se sitúan tan cerca del escenario como yo suelo estarlo, y es muy difícil mantener el tipo cuando tu personaje está en escena pero los que hablan son los otros. Creo que en este sentido, Ana Villa lo borda en esta función y tenía que decirlo.

Por lo demás tanto la escenografía como la iluminación se presentan al servicio del texto, un texto que como ya sabréis los que hayáis visto la película es lo suficientemente interesante como para mantener al público enganchado de principio a fin. ¡Larga vida al discurso del Rey!

domingo, 6 de septiembre de 2015

Sister Act, un musical divino


Sister Act



TÍTULO: "Sister Act"
MÚSICA: Alan Menken
ADAPTACIÓN: Xavier Cassadó
ESCENOGRAFÍA: Klara Zieglerova
COREÓGRAFO: Anthony Van Laast
DIRECTOR MUSICAL: Josep Ferré
INTÉRPRETES PROTAGONISTAS: Mireia Mambo Bokele, Ángels Gonyalons, Fermí Reixach, Edu Engonga, Benjamí Conesa, Gara Roda, Amparo Saizar, Malia Conde, Sergio Campoy, Ramón Balasch, Gerard Mínguez
MÁS INFORMACIÓN: http://www.sisteractelmusical.com/



A nadie escapa la dificultad de llevar a los escenarios una película que está en el recuerdo de todos como es el caso de la exitosísima “Sister Act” del año 92, pero está claro que si alguien podía hacerlo bien era la gran productora Stage Enterteinment. Si además se asocian con El Terrat y la propia Whoopi Goldberg podíamos estar seguros de que el éxito estaba garantizado.

Y así ha sido. Estamos ante un musical que encandila a los espectadores desde que se levanta el telón. Uno de los culpables de este “enganche” tan sano, es el genial y multipremiado compositor Alan Menken que ha dotado al espectáculo de una maravillosa partitura interpretada en directo por 8 músicos cada noche.

El desafío de meterse en la piel de Deloris, encarnada en el cine por Whoopi Goldberg, lo afronta con valentía la joven Mireia Mambo, artista curtida en el mundo de los musicales que la han llevado incluso a trabajar en el West End londinense. Sin duda una buena elección, puesto que Mambo posee una preciosa voz así como una gran expresividad y naturalidad interpretativa. Es la primera vez que la he visto sobre un escenario pero espero que no sea la última.

Otro placer ha sido reencontrarme con la gran Angels Gonyalons en el papel de la madre superiora. Desde que hace muchos años, (más de los que me gustaría) la descubrí como Velma Kelly en “Chicago”, no le he perdido la pista pero sólo la había podido ver en directo en otra ocasión más en la comedia musical “Cuando Harry encontró a Sally” junto a Josema Yuste. El dar vida a la madre superiora ha supuesto de alguna manera un giro a su carrera por lo diferente que es de los papeles que había interpretado anteriormente. Desde luego lo borda, no puedo decir otra cosa.

Sería muy largo mencionar aquí a todas y cada una de las monjas que completan el elenco, pero espero que sea suficiente si digo que componen un conjunto realmente glorioso, sobre todo en esas escenas corales propias de los musicales y que tanto me gustan. Realmente te llevan al cielo con esas voces tan geniales y tan bien empastadas. Su alegría es contagiosa y además, prácticamente todas tienen algún momento estelar en el que brillan con luz propia.

Lo mismo se puede decir de Fermí Reixach absoluamente genial y divertidísimo en el papel de Monseñor, y de Edu Engonga en el papel de Eddi, otro actor al que ha sido un placer reencontrar tras espectáculos como “La magia de Broadway”.

Si tuviera que poner algún pero al espectáculo, diría que quizá hay algunos gags innecesarios, pero en cualquier cas,o es una opinión puramente personal porque doy fe de que el público presente en el teatro los disfrutó.

Y es que “Sister Act” es fundamentalmente eso: un musical que hay que disfrutar dejándose lleva por la energía positiva que desprende. Es un musical que, como ya he dicho antes, empieza bien pero que además va in crescendo. Y no sólo eso, más allá de la comedia y el espectáculo que ofrece, también nos hace reflexionar sobre la necesidad que todos tenemos de encontrar nuestro sitio y de sentir que pertenecemos a un grupo.

En suma, un espectáculo completo que hará las delicias de todos los públicos sea cual sea su edad o condición. Está de gira y sería un pecado perdérselo.

lunes, 31 de agosto de 2015

Enfrentados pero condenados a entenderse




TÍTULO: “Enfrentados”
AUTOR: Bill C. Davis
ADAPTACIÓN: C. G. Llano
ESCENOGRAFÍA: Angélica Guaglianone
DIRECCIÓN: Arturo Fernández
INTÉRPRETES: Arturo Fernández y David Boceta



Una de las cosas buenas que tienen los espectáculos protagonizados por Arturo Fernández es que no engañan a nadie. Cuando tú compras la entrada para ir a ver una de sus obras vas sobre todo a encontrarte con él, con ese personaje que ha creado a lo largo de toda una vida sobre el escenario indagando en los gustos de su público e intentando darle lo que busca.

Por eso ante una obra protagonizada por este asturiano de pro hay que tener claro que debes ir a verla si te gusta él, si Arturo Fernández no te gusta, quédate en casa o mejor, elige otro espectáculo de la cartelera, que hay para todos los gustos.

Y a pesar de lo dicho, de que Arturo Fernández de alguna manera está “encasillado voluntariamente” en un tipo muy concreto de personaje, hay que reconocer que la obra que representa desde hace ya más de un año por todos los tearos españoles, ha sido algo más arriesgado consiguiendo dar otra vuelta de tuerca a su personaje. Sí, porque en esta ocasión Arturo Fernández encarna nada más y nada menos que a un sacerdote. Un sacerdote en un parroquia de postín, eso sí, pero un sacerdote.

Creo que es una de las pocas funciones protagonizadas por Arturo Fernández, si no la única, en la que no hay ni un solo personaje femenino, aunque se menciona a alguno que otro y como no podía ser de otra manera se habla de las mujeres. En esta ocasión, el que acompaña sobre las tablas al actor asturiano es David Boceta un joven intérprete que encarna a un seminarista que quiere dar un nuevo rumbo a la iglesia católica. La interpretación de Boceta gana en seguridad y eficacia a medida que avanza la función, dejando a un lado el tono un poco envarado que utiliza al comienzo.

“Enfrentados” es una función que ya desde los años 80 ha cosechado importantes éxitos en Broadway y en Francia donde obtuvo el Premio Molière de teatro. Lo entiendo. Porque se trata de un texto arriesgado que aborda cuestiones de gran interés y que permite a Arturo Fernández mostrar una cara más seria, así como sus dotes de actor dramático o al menos, no tan cómico.

Con esto no quiero decir que no haya risas durante la función. Las hay, y muchas, incluso carcajadas. Una vez más los incondicionales del intérprete asturiano no quedarán defraudados porque el Arturo de siempre sigue sobre las tablas e intuyo que le queda cuerda para rato. Al menos así lo espero.

Mención aparte merecería la escenografía de la función con 2 decorados muy cuidados a los que no les falta un detalle, la firma Angélica Guaglianone. También quiero agradecer a Arturo como director de la función o a quien quiera que haya sido el responsable de la elección de los temas musicales, ese cierre con la voz del gran Louis Armstrong como protagonista. Un acierto.

En suma, que si os gusta Arturo Fernández estamos ante una función que no os debéis perder bajo ningún concepto. Si no os gusta, la elección es más difícil pero quizá incluso os llevéis una sorpresa.

jueves, 20 de agosto de 2015

Agradecida y emocionada. Ha fallecido Lina Morgan




No quiero extenderme en esta entrada. Simplemente recoger que ha muerto una de las grandes cómicas de este país: Lina Morgan a los 78 años tras pasar varios meses enferma.

No puedo hablar aquí de ningún espectáculo suyo que haya visto en directo. Desgraciadamente se ha ido una de esas actrices míticas a las que ya no podré ver sobre las tablas. Pero sí que recuerdo vivamente sus actuaciones en televisión y sobre todo esas obras suyas que TVE solía emitir desde el Teatro de La Latina sobre todo en fechas señaladas como las navidades. En esas ocasiones, en casa me dejaban quedarme despierta hasta tarde para verlas e incluso tomar un cafecito por la tarde para no dormirme. Era emocionante.

Recuerdo también que mi madre siempre me prometía: "La próxima vez que vayamos a Madrid vamos a ir a verla a La Latina". Desgraciadamente nunca coincidió que yo fuese a Madrid y ella estuviese actuando en su teatro. Una pena. 

Termino este pequeño escrito con esa canción tan mítica que todo el mundo conoce y que a mí me emocinaba tanto sobre todo eso de: "Llego nuevamente a seguir mi historia que mi mundo está detrás del telón, y las rayas de mi mano son el compás de una canción".



Agradecida y emocionada siempre a la gran Lina Morgan. Descanse en paz.

viernes, 17 de julio de 2015

Final De Gira De “De Amor & Desamor” De Raphael





No es que yo sea súper fanática de Raphael y me sepa de memoria todas sus canciones, pero sí es cierto que conozco al artista y he visto sus actuaciones en televisión y escuchado sus canciones, desde bien pequeña. Creo que le descubrí con 7 u 8 años en un programa de variedades nocturno que presentaba, si no me equivoco, Carlos Herrera. No me acuerdo de qué canciones interpretó pero sí de que me impactó su enorme teatralidad y de que me cayó bien. Sí, por aquel entonces yo ya apuntaba maneras en cuanto a mi pasión teatrera.

Precisamente por eso, porque es un artista al que recuerdo desde siempre y cuyos grandes éxitos sí que me sé, decidí aprovechar la oportunidad que se me presentaba de verle en directo en el último concierto de su gira “De amor & desamor” antes de comenzar su nuevo proyecto: “Sinphónico”.

Se trataba esta vez de un concierto al aire libre y tuve que madrugar relativamente para coger sitio, pero afortunadamente, con ir poco más de hora y media antes me bastó para conseguir un lugar en primera fila que es como a mí me gusta ver a los artistas en directo: de cerca. Para verlos en una pantalla me quedo en casa o me pongo un dvd.

El artista hizo disfrutar al público interpretando magistralmente y con la fuerza a la que nos tiene acostumbrados, todos sus grandes éxitos. No sé si fue o no su gran noche, pero desde luego sí fue la gran noche del público que acudió a verle. Derrochó voz, energía, alegría y teatralidad como no podía ser menos. Me hizo gracia oír comentar a gente del público: “Él se lo está pasando todavía mejor que nosotros”.

Y creo que ésa es precisamente gran parte de la clave de su éxito. Cuando un artista disfruta tanto como Raphael sobre el escenario, no puede hacer sino disfrutar al público que se contagia de su entusiasmo.

En lo que a interpretación se refiere me llamó mucho la atención la de la canción “Frente al espejo”, pero digo que me llamó la atención mucho más allá de su final efectista, lo que me sobrecogió verdaderamente de esa interpretación fue cómo la expresión facial del cantante acompañaba a la historia que nos iba contando y cantando. Una muestra más, de que además de cantante es un buen intérprete al que me encantaría tener la oportunidad de ver en una reposición del musical “Jekyll y Hyde”.

En suma, que recomiendo asistir a cualquiera de los espectáculos de Rapahel porque es uno de los grandes de nuestro país que ya ha hecho historia y que esperamos que la siga haciendo por mucho tiempo.

domingo, 14 de junio de 2015

Voces y pies prodigiosos




TÍTULO: "Voces"
COMPAÑÍA: Ballet Flamenco Sara Baras
DIRECCIÓN Y COREOGRAFÍA: Sara Baras
MÚSICA: Keko Baldomero
ARTISTA INVITADO: José Serrano
MÁS INFORMACIÓN: www.sarabaras.com



  
No sé qué puedo contar de los espectáculos de Sara Baras que no haya dicho antes en este blog:

domingo, 31 de mayo de 2015

La viuda alegre, una súper producción made in Bilbao






Título: “La viuda alegre”
Compositor: Franz Lehar
Director musical: Jordi López
Director escénico: Emilio Sagi
Escenografía: Daniel Bianco
Figurinista: Renata Schussheim
Coreografía: Nuria Castejón
Intérpretes: Natalia Millán, Antonio Torres, Silvia Luchetti, Guido Balzaretti, Enrique Viana, Jose Manuel Díaz



No soy especialmente aficionada a la ópera. De hecho, no he ido nunca, aunque he escuchado bastantes en disco y también he visto unas cuantas retransmitidas por televisión. Pero desde luego, puestos a hablar de los distintos géneros de las artes escénicas, no es mi favorito.

Pero cuando me enteré de que la famosa ópera de Franz Lehar, “La viuda alegre”, se iba a convertir en un gran musical no dudé de que debía ir a verla porque me gustaría.

Esta transformación ha sido idea de Emilio Sagi el todavía director del Teatro Arriaga de Bilbao que por lo visto siempre había querido ver su ópera favorita transformada en un gran musical. Dicho y hecho, se embarcó en una producción tremendamente arriesgada pero que podía convertirse en un éxito.

Lo primero que hacía falta para poner en marcha un proyecto así era contar con un gran elenco: artistas procedentes del mundo de la ópera y artistas procedentes del mundo del musical, ¿Arriesgado? Desde luego, pero también estimulante. Así fue como Antonio Torres, Natalia Millán, Guido Balzaretti o Silvia Luchetti entraron a formar parte de esta nueva producción de “La viuda alegre”.

¿El resultado? Una súperproducción made in Bilbao: 12 músicos en directo, un coro formado por 16 cantantes-bailarines que son capaces de hacer absolutamente cualquier cosa, un diseño de vestuario de ensueño firmado por Renata Schussheim, la espléndida escenografía de Daniel Bianco que nos transporta a esa Marsovia llena de luz, color, lujo y alegría… Todo ello, claro está, unido a la maravillosa partitura de Franz Lehar que hará las delicias de todo el que la escuche.

No puedo hablar por boca de los amantes de la ópera, pero creo no estar muy equivocada si afirmo que a ellos también les gustará el montaje a pesar de que se cante con micrófonos como en los musicales. Lo que sí puedo afirmar con rotundidad es que probablemente sea una de las mejores oportunidades que existen para que los no iniciados se acerquen un poco más al mundo de la ópera. Con un barítono como Antonio Torres que encandilará a los amantes del Bel Canto y una Natalia Millán que ha demostrado una vez más ser una artista todoterreno.

Además quiero resaltar que no estamos ante una de esas óperas trágicas, sino que “La viuda alegre” es ante todo un vodevil, que como se dice en una de las canciones, te alegra el corazón. Así que los que no son amigos de dramas y tragedias no pueden tener ningún remilgo a la hora de acercarse a ver este espectáculo.

En suma, una fusión de ópera y musical que demuestra que las fusiones de estilos y géneros pueden dar como resultado estupendas simbiosis si se hacen con esmero como en esta ocasión se ha hecho con “La viuda alegre”. Próximamente en nuevos escenarios.

domingo, 24 de mayo de 2015

Pasión por Cano




TÍTULO: "Pasión por Cano"
PRODUCCIÓN: Fernando Velázquez
INTÉRPRETE: Pasión Vega
MÁS INFORMACIÓN: http://pasionvega.es/ 
  

Pasión nunca defrauda. Es un hecho. Por varias razones: porque es una cantante con una voz prodigiosa, porque tiene una sensibilidad exquisita para abordar todo tipo de géneros y porque es una gran intérprete. No en vano nunca recibió clases de canto pero sí de arte dramático.

Como decía el ya difunto Adolfo Marsillach: “Me gustan los cantantes que interpretan, de los que sólo cantan me compro el disco”. No puedo estar más de acuerdo con Don Adolfo, aunque reconozco que a Pasión no sólo voy a verla a los conciertos sino que también compro sus sdiscos.

En esta ocasión está viajando por toda la geografía española presentando su disco homenaje a Carlos Cano. El que probablemente fue el primer gran renovador de la copla y la canción popular en nuestro país. Carlos era un poeta y sus letras y su sensibilidad le van a Pasión como anillo al dedo. Pero bueno, ¿Qué es lo que no le va como anillo al dedo a Pasión Vega? Creo que pocas artistas en nuestro país pueden abordar cualquier género con la solvencia con que lo hace esta malagueña.

Destaca siempre la sobriedad de la puesta en escena y su sorprendente efectividad porque un sombrero cordobés, o un mantón, un diván o un abanico se convierten en las manos de Pasión en el vehículo perfecto para contarnos sus historias. Sí, ya sé que Pasión no compone y que las canciones que interpreta no las ha creado ella, pero desde luego, nadie podrá negarme qué sabe perfectamente cómo hacerlas suyas.

Muchos de los temas emblemáticos de Cano cobran nuevo esplendor en la voz de Pasión Vega que nos demuestra con su arte que son y serán eternos.

¿Le encuentro algún defecto a este espectáculo? Rotundamente sí: se hace muy corto. Pasión interpreta magníficamente 16 temas, la mayoría de ellos de Carlos Cano junto a alguno de sus grandes éxitos y un tema inédito compuesto por Antonio Martínez Ares. Pero la verdad es que sabe a poco. Entiendo que un homenaje a Cano tenía que estar claramente orientado a temas de este cantautor pero, en cualquier caso, se echan en falta un mayor número de sorpresas como la que nos regala cuando interpreta “Las murgas de Emilio el Moro”. Quién sabe quizá se podía haber incluido también “La murga de los currelantes” o temas ya grabados por ella anteriormente como “Qué desespero”.

Que quede claro, no obstante, que Pasión Vega nos deleita con este concierto durante más de hora y media, que se dice pronto, pero claro, cuando se disfruta tanto siempre se quiere más.

En resumen, que os ruego encarecidamente que vayáis a verla si tenéis oportunidad porque es una experiencia que no olvidaréis. A los que ya la conocéis y disfrutais habitualmente ya sé que no tengo que convenceros, pero desgraciadamente, creo que Pasión Vega es una artista a la que no se conoce tanto como su talento merece. Por eso os animo a que tratéis de descubrirla y si es posible en directo. En Youtube tenéis algunas de sus actuaciones en directo siempre memorables, porque como todos los artistas con mayúsculas Pasión gana mucho en directo. Y mira que es difícil superar sus discos, pero lo hace.

En fin, que os animo a que os acerquéis a su música porque sea cual sea el género músical que más os gusta,. seguro que Pasión Vega es capaz de interpretarlo y muy bien. Para abrir boca os dejo con la canción que abre los conciertos de esta gira de “Pasión por Cano”.



 



domingo, 26 de abril de 2015

El zoo de cristal o vanas esperanzas







 
TÍTULO: “El zoo de cristal”
AUTOR: Tennessee Williams
ADAPTACIÓN: Eduardo Galán
DIRECCIÓN: Francisco Vidal
ILUMINACIÓN: Nicolas Fischtel
CONFECCIÓN DE VESTUARIO: Cornejo
INTÉRPRETES: Silvia Marsó, Carlos García Cortázar, Alejandro Arestegui y Pilar Gil


“El zoo de cristal” no es mi texto favorito de Tennessee Williams, ni siquiera lo es “Un tranvía llamado deseo”, no. Mi Tennessee Williams favorito de los que conozco es, sin duda, “La gata sobre el tejado de zinc caliente”. Leí “El zoo de cristal” hace ya 10 años y aunque me gustó, no me emocionó lo suficiente. La leí en aquel momento porque quería ver la adaptación que por aquel entonces estaba sobre los escenarios españoles con Cristina Rota como protagonista. Finalmente no pude ver aquella versión, me quedé con las ganas.

Así que cuando esta vez he tenido oportunidad de ir a ver la versión que ahora se está representado, dirigida por Francisco Vidal y con Silvia Marsó en el papel de Amanda, no me lo he pensado dos veces. Y he de decir, que me ha gustado mucho más que cuando la leí, me ha llegado más adentro.

“El zoo de cristal” nos cuenta la historia de una familia, una madre y sus dos hijos, que no se encuentra en su mejor momento. El padre los abandonó hace tiempo y ellos se arreglan a duras penas para salir adelante con el trabajo del hijo en una zapatería. Amanda, la madre, es tremendamente sobreprotectora con sus hijos y esto hace que a ellos, en muchas ocasiones, les falte el oxígeno por no poder satisfacer las expectativas de su madre.

Todo ello hace que al presenciar la obra los espectadores seamos capaces de percibir esa atmósfera un tanto opresiva, aunque en un hogar lleno de buenas intenciones.

En ocasiones parece que Amanda es una mujer que no tiene los pies en el suelo, pero poco a poco, a medida que avanza la representación vamos tomando conciencia de que conoce perfectamente la realidad pero trata de alejarse de ella para intentar ser feliz y conservar la esperanza de que la vida que ha soñado para sus hijos es posible.

Silvia Marsó encarna a esta Amanda, en la que probablemente sea la mejor interpretación de su carrera hasta ahora. En este blog tenéis las reseñas de varias obras protagonizadas por ella como “Yerma” o “Casa de muñecas”  y debo decir que es en “El zoo de cristal” en la que su interpretación me ha calado más hondo puesto que nos muestra las dos caras del personaje, esa Amanda optimista y soñadora, junto a esa otra mujer triste y resignada que se resiste a aceptar lo que cada vez más percibe como inevitable.

No quiero olvidarme del resto de intérpretes que otorgan enorme credibilidad a sus personajes. En el caso de Tom y Laura, los hijos de Amanda, son dos seres descontentos con la vida que les ha tocado vivir, sólo que Laura se resigna, mientras que Tom se rebela. Jim, es el rayo de esperanza que entra en la función y que por un momento nos hace creer que todo será posible.

Quisiera destacar también la impresionante labor de Cornejo que, como siempre, aporta a las obras en las que interviene, un vestuario tan adecuado a los personajes y la época, que estoy segura, facilita la interpretación de los actores.

También la iluminación de Nicolás Fischtel juega un papel muy importante a la hora de dar la ambientación necesaria, sobre todo en determinados momentos de la función.

No quiero contar nada más y espero no haberme excedido ya con esta reseña. Lo que si quiero es deciros que si tenéis oportunidad de ver este clásico de Tennesee Williams sobre las tablas, y más en esta versión, no la dejéis escapar.


domingo, 19 de abril de 2015

Don Juan según La Portillo






TÍTULO: “Don Juan Tenorio”
AUTOR: José Zorrilla
VERSIÓN: Juan Mayorga
ESPACIO ESCÉNICO: Blanca Portillo
ILUMINACIÓN: Pedro Yagüe
MÚSICA ORIGINAL Y ESPACIO SONORO: Pablo Salinas
INTÉRPRETES: Jose Luis García-Pérez, Luciano Federico, Eduardo Velasco, Daniel Martorell, Juanma Lara, Francisco Olmo, Alfonso Begara, Alfredo Noval, Miguel Hermoso, Raquel Varela, Tania Watson, Beatriz Argüello, Rosa Manteiga, Ariana Martínez, Eva Martín.
DIRECCIÓN: Blanca Portillo
MÁS INFORMACIÓN: www.donjuan2014.com



Se podría decir que en el mundo del teatro son los actores los que tienen el poder. En el mundo del cine, el director. Porque en el teatro un director puede dar unas u otras indicaciones a los actores pero cuando llega el día del estreno, en el directo, cualquier cosa puede pasar. Todo o casi todo queda en manos de los intérpretes.

Sin embargo en el cine, una vez rodada la película el director puede cortar escenas a su antojo si lo considera necesario.

Quizá sea por eso que normalmente cuando hablamos de teatro recordamos más las funciones por sus intérpretes que por sus directores, aunque siempre hay excepciones, claro. El “Don Juan Tenorio” que ha montado Blanca Portillo constituirá seguramente una de esas excepciones puesto que ya a día de hoy, cuando todavía está representándose, la gente se refiere a él como “El Tenorio de la Portillo”. ¿Qué por qué? Pues porque la directora ha querido dar una vuelta de tuerca al clásico de Zorrilla para mostrarnos el lado más descarnado y bestial del personaje literario.

Siempre, desde bien pequeña, me ha gustado el Don Juan Tenorio, el texto, me refiero, no el personaje. Estoy de acuerdo con Portillo en que el personaje no es digno de admirar sino que se trata de alguien profundamente deleznable, pero a pesar de no empatizar con el protagonista siempre me han gustado las versiones que he visto de la función. Quizá sea porque el texto de Zorrilla que bebe a su vez del anterior “Burlador de Sevilla” de Tirso de Molina, es absolutamente maravilloso.

Desde que supe hace casi un año que Blanca Portillo iba a llevar a escena una versión de Don Juan, tuve ganas de verla aunque con ciertas reticencias, ¿Y si la adaptación era tan distinta que no me gustaba? El hecho de que la versión estuviese firmada por Juan Mayorga y de que el texto se hubiese respetado en su integridad, me dio razones suficientes para comprar la entrada.

Antes de ver la función ya había escuchado opiniones contrapuestas acerca de ella y por fin he podido verla y juzgar por mí misma. He de decir que me ha gustado. No me ha chocado para nada que Don Juan y sus secuaces vayan vestidos a la manera actual y que utilicen navajas y pistolas en lugar de espadas. Creo que Mayorga ha sabido hacer una versión muy sutil que casi no se nota, lo cual en un texto de la calidad del de Zorrilla es de agradecer. Es cierto que a veces se dice a gritos, sí, pero siempre con sentido.

La música de Pablo Salinas me parece un acierto puesto que mezcla blues y flamenco para conseguir una ambientación mágica y llena de dolor. También el espacio escénico diseñado por Blanca Portillo me parece sobrio y adecuado a la vez para desnudar la pasión y la violencia que el texto encierra. Inolvidable la luna que tan pura brilla.

¿Qué decir que los intérpretes? Creo que están sublimes. Desde Jose Luis García Pérez encarnando a Don Juan que se merece por este papel todos los premios que le quieran dar, pasando por Ariana Martínez que se mete en la piel de una no tan inocente Doña Inés hasta todos y cada uno de los 15 intérpretes que pisan el escenario. Creo que a pesar de las diferencias con las versiones del Tenorio a las que estamos acostumbrados, los intérpretes han conseguido respetar la musicalidad del texto y evitar que nos chirríe.

Desde aquí quiero romper una lanza, ya lo he hecho en alguna otra ocasión, por el teatro clásico. No temáis acercaros a una obra de teatro clásico escrita en verso, porque si los intérpretes saben cómo decirlo, su comprensión es muy fácil y su contemplación una auténtica gozada.

Personalmente creo que no he alcanzado a comprender la totalidad de los símbolos que la directora nos presenta en forma de seres enmascarados más allá de la presencia de los espíritus en la función, pero en cualquier caso se trata de una versión que yo sí he disfrutado y mucho.

La recomiendo a todo el mundo. Teniendo en cuenta, eso sí, que la estética con que se presenta ahora no es la misma a la que las versiones más clásicas nos tenían acostumbrados.

sábado, 4 de abril de 2015

¿Quién es normal?






 TÍTULO: "Olivia y Eugenio"
AUTOR: Herbert Morote
DIRECCIÓN: José Carlos Plaza
INTÉRPRETES: Concha Velasco, Rodrigo Raimondi/Hugo Aritmendiz



La vida no ha sido fácil para Olivia, pero ahora lo es menos aún. Tiene un hijo con síndrome de Down y está enferma. Este es el punto de partida de “Olivia y Eugenio” la obra del peruano Herbert Morote que gira actualmente por los escenarios españoles.

Creo que esto es lo único que se debería contar sobre el argumento de la obra. Desgraciadamente, yo a base de leer reseñas y entrevistas sobre la misma, me enteré de mucho más antes de ir a verla, es más, sabía todo lo que iba a pasar en ella y creo que ese exceso de información le restó atractivo.

El texto de Morote encierra verdades como puños y frases que me hubiera gustado apuntar durante la representación, pero que no reproduciré aquí por miedo de no hacerlo con exactitud. Todo lo que se dice en ella es muy cierto, pero eso sí, el texto no deja de ser previsible incluso para aquellos que no supiesen con anterioridad de qué iba la función.

Ésa es la mayor falta que le encuentro a esta obra. Se trata de un texto que está cargado de razón y buenas intenciones, pero que en ningún momento sorprende al espectador, al menos conmigo no lo consiguió. Rompe una lanza (muy necesaria) por todos aquellos que una sociedad enferma y perversa califica de “anormales” y Olivia, su protagonista se pregunta en numerosas ocasiones: “¿Quién es normal?”

Pero como digo, esto es algo que ya habíamos visto en otras ocasiones en el cine, el teatro, y la televisión, por lo tanto, siento decir que la función no aporta nada nuevo en este sentido.

Bueno, no, miento. Sí que aporta algo nuevo puesto que es la primera vez que una obra de teatro cuenta con un muchacho con Síndrome de Down como protagonista. En mi caso, me tocó presenciar la interpretación de Rodrigo Raimondi que ejecuta su papel con corrección y recibe emocionado los aplausos del público al terminar. Quizá éste sea un buen ejemplo de todo lo que las personas con Síndrome de Down pueden hacer con solvencia y eficacia.

Por lo demás tengo que decir que siempre es un placer ver sobre las tablas a Concha Velasco, una de nuestras grandes figuras del mundo del espectáculo. Es emocionante volverla a ver recuperada y pisando las tablas con la fuerza de siempre. Ella encarna a Olivia y desgrana un cuasi monólogo lleno de reproches a la sociedad actual que de alguna manera, me recordó un poco al de Madame Rosa en “La vida por delante”.  aunque salvando las distancias.

¿Que si recomiendo la función? Sí, la recomiendo si queréis comprobar como Concha Velasco se encuentra en plena forma y tiene todavía mucha guerra que dar sobre los escenarios. Eso sí, creo que aunque el papel que hace aquí debe tener un significado muy especial para ella, no es ni mucho menos el más memorable que le he visto interpretar.