sábado, 31 de diciembre de 2016

Mis espectáculos de 2016




Otro año se nos va. Esta vez le toca a 2016 que precisamente se va habiéndome dejado 16 espectáculos que van desde la comedia a la tragedia pasando por algún concierto y alguna comedia musical. Aquí tenéis la lista.


No ha estado mal. Ojalá el 2017 nos traiga mucha salud, trabajo, amor y más espectáculos en directo para disfrutar, sufrir, y en una palabra, sentir.


¿Qué espectáculos en directo habéis visto vosotros este 2016?

domingo, 27 de noviembre de 2016

Mujeres al poder


la asamblea de las mujeres



TÍTULO: "La Asamblea de las mujeres"
AUTOR: Bernardo Sánchez
DIRECTOR: Juan Echanove
INTÉRPRETES: Lolita, María Galiana, Miriam Díaz-Aroca, Pedro Mari Sánchez, Luis Fernando Alvés, Concha Delgado, Segio Pazos, Bart Santana, Santiago Crespo

El espectáculo comienza de forma prometedora, con un número musical protagonizado por Pedro Mari Sánchez que hace presagiar que nos encontraremos con un gran número de ellos a lo largo de la función.

En la siguiente escena vemos como las mujeres atenienses organizan la puesta en práctica de su plan para conseguir que los hombres les cedan el gobierno de la ciudad. Destaca aquí Lolita que en la piel de Praxágora, asume el protagonismo de la acción de forma brillante. Menos mal que poco a poco parece que los directores se van dando cuenta de su inagotable talento.

Creo que no destripo nada del argumento al afirmar que las mujeres consiguen su propósito. A partir de ahí se suceden las escenas en las que se pone de manifiesto la opinión de los varones atenienses así como algunas pinceladas de los cambios sociales y organizativos que tienen lugar con el nuevo gobierno.

A mi juicio, esta parte de la función cojea argumentalmente aunque es cierto que tiene varios golpes que hacen reír al público. Personalmente me esperaba una comedia mucho más musical, al estilo de “El eunuco”. En realidad aquí sólo hay dos número musicales, el primero que ya he mencionado y una chirigota al final donde Lolita vuelve a mostrar todo su arte (hay que ver cómo mueve las manos esta mujer y qué dominio de la voz tiene).

También hay un número de baile que aunque muy bien ejecutado me parece un poco fuera de contexto.

¿Recomiendo ir a ver “La Asamblea de las mujeres”? Sí, no os equivoquéis por lo dicho hasta aquí, claro que la recomiendo, es una obra muy entretenida y el público la disfruta, eso sí, no es redonda y creo que con ese argumento se le podría haber sacado un mayor partido.

domingo, 20 de noviembre de 2016

Tierra del fuego, crónica de un conflicto irresoluble




TÍTULO: "Tierra del fuego"
AUTOR: Mario Diament
VERSIÓN: David Serrano
DIRECCIÓN: Claudio Tolcachir
INTÉRPRETES: Alicia Borrachero, Ben Temple, Abdelatif Hwidar, Juan Calot, Malena Gutiérrez, Hamid Krim

¿Será el ser humano alguna vez capaz de poner fin a ciertos enfrentamientos? “Tierra del fuego” nos acerca a uno de esos conflictos que parecen no tener fin: el judeo-palestino.

No es fácil ser objetivo ante un tema de este calibre y sin embargo el texto de Mario Diament lo consigue, o al menos lo consigue prácticamente. Yael es una mujer judía que fue víctima de un atentado en el que su mejor amiga falleció y ella resultó herida. 23 años después visita en prisión al terrorista que atentó contra sus vidas.

Ella, magníficamente encarnada por Alicia Borrachero, es la que nos va llevando de la mano por esta problemática y con ella conocemos los diferentes puntos de vista de los implicados: las vícitmas, los terroristas, los abogados de los terroristas, los familiares de las víctimas... Todos están representados aquí, todos tienen sus razones para actuar como actúan y pensar como piensan.

Decía que la obra es prácticamente imparcial porque algunos puntos de vista se nos plantean con más peso en la función, pero no obstante, es lo más equilibrado que yo he visto nunca en lo que a este conflicto se refiere.

Pese a tratarse de un texto profundamente reflexivo, podría decirse que la función es trepidante puesto que te atrapa desde la primera frase y no te suelta hasta que cae el telón definitivamente. Una puesta en escena absolutamente sobria subraya la fuerza del texto para que nada distraiga la atención del público de lo único importante aquí: las personas.

Me gustaría pensar como el director, Claudio Tolcachir, que desde el programa de mano fantasea con que obras como ésta nos permitan borrar fronteras y volvernos más humanos. No sé si será posible, ojalá, aunque a mí de momento se me antoja que ciertos conflictos son prácticamente irresolubles. En cualquier caso, siempre merecerá la pena sentarse a reflexionar ante espectáculos de esta envergadura puestos en pie por un equipo con tanto talento.

domingo, 13 de noviembre de 2016

La vida pasa con la velocidad del otoño


la velocidad del otoño



 TÍTULO: "La velocidad del otoño"
AUTOR: Eric Coble
ADAPTACIÓN: Bernabé Rico
DIRECCIÓN: Magüi Mira
INTÉRPRETES: Lola Herrera y Juanjo Artero

Lleva una racha de papeles Lola Herrera en los últimos años, con los que siempre me deja los ojos llenos de lágrimas. Lo hizo con “En el estanque dorado” y ahora lo ha vuelto a hacer con la obra de Eric Coble “La velocidad del otoño”.

¿De qué habla esta función? De la vida misma, pero sobre todo, de la rapidez con que pasa: del deterioro que a veces sufrimos al acercarnos al final, del apego que tenemos a nuestras cosas, del miedo al cambio...

De todo eso nos habla Lola Herrera en la piel de una mujer que se enfrenta a sus hijos porque quiere pasar lo que le queda de vida en su casa de siempre. El espectador no conoce la postura de sus hijos mayores mas que a través de ella, pero sí conoce a su hijo más pequeño, Cris, que llevaba 20 años ausente de la familia.

Juanjo Artero encarna a ese Cris, ese hijio menor y rebelde que según podemos percibir a medida que se desarrolla la obra, es el ojito derecho de su madre. No es la primera vez que Juanjo Artero y Lola Herrera trabajan juntos, ya lo hicieron hace años en “6 clases de baile y 6 semanas” y la química entre ellos es evidente. Dan a esta relación materno-filial tal verosimilitud que no te puedes imaginar a otra madre para ese hijo ni a otro hijo para esa madre.

El texto de Coble adaptado por Bernabé Rico es rápido y fluido. La dirección de Magüi Mira es, como ya nos tiene habituados, sutil y al mismo tiempo altamente eficaz. Cuando estás viendo esta función no tienes la sensación de estar viendo teatro, la realidad desaparece a tu alrededor y sólo tienes la impresión de estar presenciando algo muy íntimo entre una madre y su hijo.

Y eso a pesar de que tiene momentos que son puro teatro, como esos en los que el personaje de Cris relata a su madre ciertos acontecimientos de los que ha sido testigo, y el espectador pinta en su mente esos hechos sólo por obra y gracia de las palabras que escucha.

En los textos publicitarios sobre este texto se dice que es una obra divertida, no negaré que tiene momentos en los que te saca una sonrisa, pero más allá de eso, a mí me parece sobre todo una obra profunda que dará que pensar a todo el que la vea.

La vida pasa rápido, mucho más de lo que nos gustaría, y merece la pena que pase viendo obras como ésta.

domingo, 6 de noviembre de 2016

La estupidez o el más difícl todavía

La estupidez


TÍTULO: "La estupidez"
AUTOR: Rafael Spregelburd
DIRECTOR: Fernando Soto
ESCENOGRAFÍA: Elisa Sanz
MÚSICA Y ESPACIO SONORO: David Angulo 
INTÉRPRETES: Javier Márquez, Fran Perea, Toni Acosta, Javi Coll, Ainhoa Santamaría
MÁS INFORMACIÓN: http://feelgoodteatro.com/

Me resulta bastante complicado escribir esta reseña de la obra “La estupidez” dirigida por Fernando Soto. ¿Que por qué? Porque no sé cómo definir ni explicar esta función. Bueno, algo sí que se me ocurre y es decir que “La estupidez” es circensemente hablando, un triple salto mortal sin red, un más difícil todavía.

En los últimos veintipico años en los que llevo viendo teatro asiduamente, creo que nunca había visto una obra más difícil de poner en pie. Es cierto que obras como por ejemplo, las de Valle-Inclán, fueron en su tiempo casi imposibles de representar, con multitud de localizaciones distintas y una lista de personajes como la de la guía telefónica, pero yo creo que llevar a la escena “La estupidez” es todavía más complicado.

En este caso estamos ante una obra con 27 personajes, si no he contado mal. Estos 27 personajes son interpretados solamente por 5 actores a los que por fuerza tengo que nombrar aquí porque hacen un trabajo de auténticos titanes, son: Javier Márquez, Fran Perea, Toni Acosta, Javi Coll y Ainhoa Santamaría. La localización es única, un Motel en Las Vegas, y por sus distintas habitaciones va desfilando toda esta galería de caracteres que conforman la función.

En cuanto al argumento en sí, no diré mucho: todos estos individuos quieren hacer dinero y quieren hacerlo en Las Vegas, pero no, no sólo jugando a la ruleta. En el programa de mano se nos dice que la obra “versa sobre la fragilidad de la inteligencia en los tiempos que corren” pero yo diría más, yo diría que habla de la crisis de valores y de la podredumbre y corrupción de nuestra sociedad.

Pero lo cierto es que lo más importante de esta obra no es lo que se cuenta sino cómo se cuenta. No sé si será porque está escrita por un argentino, Rafael Spregelburd, pero hay varias escenas que suceden al mismo tiempo y el espectador se encuentra prestando atención a dos conversaciones A LA VEZ.

La verdad es que los argentinos son expertos en construir escenas de este tipo, no sé si os habréis dado cuenta pero en las películas y las obras argentinas existen en muchas ocasiones estos momentos en los que los personajes hablan todos a la vez, y lo más sorprendente es que consiguen que no perdamos el hilo. Aquí también ocurre. Bien por Ferando Soto y por ese magnífico elenco que han conseguido que una cosa así parezca incluso sencilla.

En cuanto a la escenografía y la ambientación, no falta un detalle. Desde que el público empieza a llenar el patio de butacas, se encuentra ante una de esas habitaciones del motel en el que se desarrolla la acción, y los clásicos de la música americana: Elvis, Kenny Rogers... inundan la sala. Perfecto para entrar en situación.

Ya he mencionado a los cinco intérpretes pero tengo que volver a ellos porque si ya de por sí el hecho de hacer teatro proporciona tablas y profesionalidad a los intérpretes, no me puedo imaginar todo lo que hacer “La estupidez” supondrá para estas cinco fieras. No es que les vaya a dar tablas, sino que al final de la gira van a poder montar una carpintería.

Ya solamente que realicen los cambios de vestuario a esa endiablada velocidad es algo que deja boquiabierto al público, qué voy a decir de cambiar de registro con la misma celeridad y efectividad.

¿Le pongo alguna pega a esta función? Pues sí, suceden tantas cosas y con tanta rapidez que hay muchas que se nos escapan y por eso precisamente creo que se sacaría mucho más provecho con un segundo visionado. También me parece que el final se alarga un poco en exceso. Estamos ante una obra de tres horas, y yo pienso que con un cuarto de hora o veinte minutos menos de duración ganaría bastante.

En todo caso, creo que os habrá quedado claro que es muy recomendable si queréis ver un trabajo de primera, porque no hace falta ir al Circo del Sol para presenciar un “más difícil todavía”.

domingo, 16 de octubre de 2016

Reina Juana, la soberana a la que no dejaron reinar


Reina Juana


TÍTULO: Reina Juana
AUTOR: Ernesto Caballero
DIRECCIÓN: Gerardo Vera
INTÉRPRETE: Concha Velasco


No hace falta que explique cuántas veces la historia ha sido injusta con las mujeres, no terminaría nunca de enumerar todos los casos. Una de esas mujeres injustamente denominada como “la loca” fue la Reina Juana, Reina de Castilla, hija de los Reyes Católicos y esposa de Felipe el Hermoso.

Ernesto Caballero ha querido hacerle justicia de alguna manera con un texto en el que cede la palabra a la propia Juana que mediante una confesión general va desgranando determinados episodios de su vida. Episodios que poco a poco van dibujando a la mujer que existía detrás del personaje.

Ya nos advierte el autor desde el programa de mano, que un texto de ficción no es un tratado de Historia, por tanto no debemos ver esta función como una clase magistral, en ella existen datos reales, por supuesto, pero éstos no sirven sino para dar rienda suelta a una Juana que desnuda su alma ante nosotros dejándonos entrar en sus más profundos sentimientos.

Gerardo Vera es el encargado de dirigir este montaje, y para interpretar a una mujer de rompe y rasga era necesaria una actriz de campanillas, la elección en este sentido no ha sido dificil para el director pues tal y como el mismo afirma, parece que estamos ante un papel hecho a la medida para Concha Velasco.

La Velasco como es su costumbre no defrauda, y dota al personajes de una multitud de matices que nos permiten “descubrir” a una reina Juana de carne y hueso. No sabemos si todo lo que Ernesto Caballero ha puesto en boca del personaje o algo parecido, salió alguna vez de sus labios, pero lo que sí está claro es que Concha Velasco hace que nos parezca posible.

Una obra que recomiendo sobre todo a los admiradores del personaje de Juana, pero que también resultará grata a los que quieran realizar un primer acercamiento a su figura.

martes, 4 de octubre de 2016

El gusto siempre será nuestro





TÍTULO: "El gusto es nuesto 20 años"
INTÉRPRETES: Ana Belén, Víctor Manuel, Miguel Ríos y Joan Manuel Serrat
Más información: http://www.elgustoesnuestro20.com/



Hay carteles que son siempre un valor seguro. El de “El gusto es nuestro 20 años” no podía fallar: Ana Belén, Víctor Manuel, Joan Manuel Serrat y Miguel Ríos son historia de nuestra música y afortunadamente son una historia muy viva y en plena forma.

No tuve la oportunidad de verles hace 20 años, era demasiado pequeña, pero sí que vi un especial sobre ese concierto que en aquellos tiempos emitió Televisión Española. Es una pena que cada vez se emitan menos especiales de ese tipo o que cuando se hace, sea a horas, en no pocas ocasiones, intempestivas.

Pero bueno, a lo que voy: que estos 4 grandes se han vuelto a unir para subirse al escenario y girar por la geografía nacional disfrutando y haciendo disfrutar al público.

El que vaya a verlos podrá entregarse a la música con mayúsculas durante más de 3 horas, revivir su juventud o conocer un poco mejor las canciones que hicieron mover el esqueleto y emocionarse a sus mayores y que son por méritos propios temas que pasarán a la posteridad y que seguirán ahí por mucho que los años corran y las modas cambien.

El concierto está estructurado dando ratitos de protagonismo a cada uno de los intérpretes, aproximadamente cada 3 canciones de uno de ellos hay un dúo, y al principio y al final los cuatro unen sus voces para una traca de fin de fiesta que pone los pelos de punta.

Si sois seguidores de este blog ya sabréis que mi debilidad absoluta es Ana Belén pero evidentemente, el talento de estos cuatro grandes está a la misma altura y cada miembro del público tendrá sus preferencias, ahí no me meto.

Una pena, como siempre, que cuando estos conciertos se acercan por tierras vascas o catalanas no podamos disfrutar de la mítica “España camisa blanca”, aunque conste que entiendo el porqué de esta omisión. No deja de ser triste, no obstante, que los artistas tengan que andarse con tantos pies de plomo para no herir determinadas sensibilidades. Víctor Manuel compuso hace muchos años esa canción y Ana Belén la lleva en todos los demás conciertos, si te gustan estos artistas tienes que saber que es así, seas de donde seas, y tengas las idesas políticas que tengas, y no creo que debas molestarte si la cantan, pero bueno, repito que entiendo la precaución aunque me apena enormemente que tenga que tomarse, ya que creo que somos muchos los que en el País Vasco y Cataluña también desearíamos escucharla.

Por lo demás, a la hora de ver a estos grandes sobre el escenario el gusto, siempre, siempre, siempre, será nuestro.

domingo, 25 de septiembre de 2016

Nadie es invencible




TÍTULO: "Invencible"
AUTOR: Torben Betts
TRADUCCIÓN: Jordi Galcerán
INTÉRPRETES: Maribel Verdú, Jorge Bosch, Natalia Verbeke, Jorge Calvo
DIRECCIÓN: Daniel Veronese


“Invencible” comienza cuando un matrimonio acomodado venido a menos se traslada a un barrio de clase obrera en un pueblo alejado de la capital. En el comienzo son todo buenas intenciones y quieren intimar con los vecinos de la casa de al lado, integrarse por completo en el vecindario.

Pero en cuanto presenciamos la reunión de los dos matrimonios, nos damos cuenta de que tienen muy pocas cosas en común y de que llegar a ser amigos va a ser bastante más difícil de lo que parecía en un principio.

El contraste entre ambas parejas es muy grande y provoca en no pocas ocasiones la hilaridad del público. Pero... ¿nos reímos porque también nosotros nos creemos mejores que Laura y Pablo o porque consideramos demasiado pijos a Emi y a Julio?

Lo que este texto del británico Torben Betts nos viene a decir, es que no somos tan comprensivos ni tan tolerantes con lo diferente, como nosotros mismos nos creemos.

Los personajes protagonistas de esta obra, correctamente interpretados por Maribel Verdú, Jorge Bosch, Natalia Verbeke y Jorge Calvo, son individuos bastante estereotipados que le sirven al autor para crear una comedia dramática con la que hacer pensar y reír al público. La parte de la función inmediatamente anterior al final es absolutamente sublime y desternillante, sólo por eso ya merece la pena ir a ver la obra. No obstante, he tenido la impresión de que no todo el texto tiene el mismo nivel de calidad.

Creo que a veces se utilizan recursos demasiado facilones con el único objeto de buscar la carcajada. El próposito de hacernos pensar y reflexionar sobre la sociedad actual y las diferencias irreconciliables entre clases, no se consigue al 100% sino que se queda a medias posiblemente por intentar llevar tan al extremo la mezcla de comedia y tragedia.

A pesar de lo dicho, no negaré que la función entretiene. Tendréis que ir a verla y juzgar por vosotros mismos.


domingo, 18 de septiembre de 2016

¿Puede la mentira ser beneficiosa?


TÍTULO: "La mentira"
AUTOR: Florian Zeller
VERSIÓN: David Serrano
INTÉRPRETES: Carlos Hipólito, Natalia Millán, Armando del Río, Mapi Sagaseta
DIRECCIÓN: Claudio Tolcachir


"La mentira"


Si pillaras al marido de tu mejor amiga besando a otra mujer, ¿se lo contarías? Éste es el dilema ante el que se encuentra Alicia, una de las protagonistas de la función “La mentira” escrita por el dramaturgo francés Florian Zeller, que acaba de estrenarse en nuestro país.

Nos encontramos ante un texto tremendamente fluido que engancha desde la primera frase hasta la última. Desde el comienzo entramos en la función acompañando a sus personajes y no salimos de ella hasta caer el telón. No sobra ni una coma.

Además, la dirección del autor y director argentino Claudio Tolcachir contribuye muy acertadamente a conseguir la máxima naturalidad en las interpretaciones y a que realmente nos parezca que estamos mirando por el ojo de la cerradura y siendo testigos de excepción de la situación por la que atraviesa el matrimonio protagonista.

Carlos Hipólito y Natalia Millán dan vida con gran acierto a esta pareja que lleva mucho tiempo unida y que se indudablemente se quiere, aunque al mismo tiempo cada uno de ellos tiene ciertas dudas acerca de la sinceridad del otro.

Y eso, queramos o no, nos puede pasar a todos. “La mentira” nos plantea como espectadores, diversos dilemas morales en cuanto a la sinceridad en la vida en general, y en las relaciones de pareja en particular.

Pero tranquilos, que nadie se asuste y espere una obra densa y moralista porque no lo es. Estamos, por el contrario, ante una comedia gracias a la cual nos reímos de nuestras inseguridades y nuestras convicciones, de la mano de un estupendo elenco.

Porque también para eso tiene que servir el teatro, para que nos analicemos a nosotros mismos y nos preguntemos, ¿qué haría yo en esa situación? Mientras estamos disfrutando de “La mentira” no podemos evitar hacerlo, y eso está muy bien. Por eso, y por muchas otras razones que tendréis que descubrir yendo a verla, se convertirá con toda probabilidad en una de las sensaciones de la temporada teatral que ahora comienza.

domingo, 4 de septiembre de 2016

Una cena con los vecinos de arriba

los vecinos de arriba




TÍTULO: "Los vecinos de arriba"
AUTOR Y DIRECTOR: Cesc Gay
INTÉRPRETES: Candela Peña, Pilar Castro, Xavi Mira, Andrew Tarbet


Antes de comprar mi entrada hace unos meses para ir a ver “Los vecinos de arriba” ya había oído hablar mucho y muy bien de la función. Además se trataba del debut teatral de Cesc Gay, un director que me cautivó con películas como la premiadísima “Truman”, pero debo decir, que aunque no hubiera oído hablar de la función tanto y tan bien, hubiera comprado igualmente la entrada para ver ¡por fin! Sobre las tablas a Candela Peña.

Descubrí a Candela Peña hace ya muchos años en la que, si no me equivoco, fue su segunda película, “Hola, ¿estás sola?” de Icíar Bollaín. Con sólo ver esa interpretación ya me di cuenta de que estaba ante una actriz con un talentazo. Película tras película esa percepción se ha ido confirmando pero siempre había querido verla sobre un escenario. “Los vecinos de arriba” ha supuesto su bautismo teatral y con él está demostrando a propios y a extraños que es una auténtica todoterreno.

Cesc Gay no sólo ha dirigido sino que también ha escrito esta función con la que debo decir que ha dado en el clavo porque “Los vecinos de arriba” no es solamente una comedia que busque la carcajada. Carcajadas las hay, y muchas, pero estamos ante una comedia que sabe ir mucho más allá. Se comienza en ella hablando de sexo pero se termina hablando de amor y de la vida en pareja en su más amplia acepción.

Es imposible poner en pie con éxito una obra de estas características sin un elenco que funcione como un verdadero mecanismo de relojería. En este caso tenemos a cuatro intérpretes que ¡Vaya cuatro patas para un banco! A cual mejores. A las chicas ya las conocía, de Candela Peña ya os he hablado y a Pilar Castro ya había tenido suerte de verla en el teatro en funciones como “Buena gente”. Los dos chicos han sido para mí un auténtico descubrimiento: Xavi Mira y Andrew Tarbet.
Los cuatro juntos desprenden una complicidad tal, que me atrevería a decir que no es que se entiendan con una mirada sino incluso con un pestañeo.

A veces se nos olvida lo difícil que es hacer reír, y es tan mágico poder ver de cerca a gente con tanto talento haciéndote reír de una forma tan natural como estos cuatro actores, que cuando te pasa no puedes hacer otra cosa que relajarte y disfrutar.

En la función hay varios giros argumentales y algunos de ellos, no voy a mentir, se ven venir, pero eso no importa en absoluto puesto que esa previsibilidad no mina en lo más mínimo su disfrute. También debo decir que uno de esos giros en particular consigue cambiar las carcajadas por un silencio en el patio de butacas que se podría cortar con un cuchillo y que realmente encoge el corazón de los espectadores.

En la función que yo vi el otro día, al terminar, el público se puso en pie unánimemente como movido por un resorte para agradecer a los intérpretes su gran trabajo. Creo que eso ya dice mucho a favor de este espectáculo. Sólo quiero añadir que se merecen todos los aplausos y todos los bravos del mundo.

¡Larga vida a esta relación de vecindad! Un orgasmo de función.

domingo, 29 de mayo de 2016

Losers que no siempre pierden




TÍTULO: "Losers"
AUTORA: Marta Buchaca
DIRECTOR: Guillem Clua
ESCENOGRAFÍA: Sebastià Clua
INTÉRPRETES: María Pujalte y Vicente Romero


Las comedias románticas están por todas partes y normalmente casi todas son más de lo mismo: chica conoce chico, se enamoran, se casan y... ya no sabemos nada más de ellos. Losers no es así, bueno, un poco sí, pero no del todo. Losers es una comedia romántica pero tiene un punto diferente.

En ella conocemos a Sandra y a Manuel, dos personas que hasta el día de hoy, cuando ya han cumplido los 40, no se puede decir que hayan tenido demasiada suerte, ni en el amor ni en nada. Esto no quiere decir que sean seres infelices, pero sí que son conscientes de que les falta algo porque parece que la sociedad en la que vivimos está construida pensando en la pareja.

Marta Buchaca, una dramaturga a la que confieso que desconocía, ha escrito una comedia muy actual en la que muchos espectadores podrán verse reflejados a sí mismos o a las personas de su entorno. La obra está firmemente enmarcada en nuestros días y llena de referencias a las nuevas tecnologías, las redes sociales, el hecho de buscar pareja por internet y un montón de temas que son omnipresentes en la actualidad.

En esta función hay momentos muy divertidos pero me atrevería a decir que “Losers” es bastante más que una simple comedia. Si miramos un poco más allá descubriremos una crítica de nuestro modo de vida y también una acertada disección de la vida en pareja porque “Losers” no es la típica comedia en que todo ser termina cuando el chico y la chica se juntan, no. Pero eso es mejor que no os lo cuente y lo descubráis por vosotros mismos.

Evidentemente un espectáculo de estas características no se sostendría sin dos brillantes interpretaciones. En este sentido María Pujalte y Vicente Romero son dos valores seguros. Curtidos durante muchos años en el género de la comedia se las saben todas para hacer las delicias del público y encarnan a una Sandra y a un Manuel que pronto nos resultan tan familiares como si les conociéramos de toda la vida.

Querría destacar también la versátil escenografía de Sebastiá Brosa que cumple la doble función de ser práctica e imagínativa.

En suma, “Losers” es una comedia que todos deberíais ver porque os hará reír pero también pensar y esa es una de las prinicipales funciones que debe cumplir el teatro.

domingo, 15 de mayo de 2016

Reikiavik, mucho más que una partida de ajedrez



TÍTULO: "Reikiavik"
AUTOR: Juan Mayorga
INTÉRPRETES: César Sarachu, Daniel Albaladejo, Elena Rayos
DIRECTOR: Juan Mayorga


No tengo ni idea de jugar al ajedrez, no sé cómo se mueve ninguna de las piezas. Tampoco es que sea muy ducha en la historia de la guerra fría aunque me suena algo más de cuando la estudié en el colegio. Por estas razones estaba un poco reticente a ir a ver “Reikiavik” la obra de Juan Mayorga de la que había escuchado críticas muy elogiosas. Pero bueno, finalmente y ya que una de las paradas de su gira me pillaba cerca, me decidí a ir.

Reikiavik nos cuenta de una manera muy original la historia de la rivalidad ajedrecística de dos grandes: Bobby Fischer y Boris Spasski que durante un campeonato mundial de Ajedrez fueron poco menos que los adalides involuntarios de los dos grandes bloques enfrentados en la guerra fría: Estados Unidos y la Unión Soviética.

Así, con esta función, Juan Mayorga nos imparte una lección de historia a través del relato de un hecho puntual y podría parecer que no tan trascendente desde el punto de vista histórico. Eso me ha gustado porque realmente son los pequeños acontecimientos los que conforman la historia, y es cierto un ligero cambio en ellos puede llegar a trastocar todo lo que nos rodea.

Los tres actores que vemos sobre el escenario en “Reikiavik” hacen un ejercicio que va más allá del más difícil todavía, puesto que se enfrentan al reto de contarnos la historia con muy pocos, casi ningún elemento de atrezzo en el que apoyarse. César Sarachu y Daniel Albaladejo demuestran oficio y una gran compenetración en esta tarea. El papel de Elena Rayos podría pasar más desapercibido pero desde luego tampoco es fácil, puesto que ella nos representa sobre las tablas a nosotros, el público que asiste intrigado a la historia de los dos ajedrecistas y por extensión, a la del mundo contemporáneo.

Pero “Reikiavik” no sólo habla de historia, nos habla sobre todo del ser humano y su necesidad de evadirse de la realidad que le rodea y vivir otra vida al menos temporalmente. Eso también me ha gustado mucho.

En cualquier caso, debo decir que esta función no es para todos los públicos, su ritmo es bastante vertiginoso y aunque no son necesarios conocimientos previos de ajedrez o de historia para poder seguirla, no vendría mal un bagaje cultural lo más amplio posible para poder apreciarla en su totalidad. Con todo, resulta interesante verla y no aburre en ningún momento.



domingo, 24 de abril de 2016

Hamlet Kamikaze





TÍTULO: "Hamlet"
AUTOR: William Shakespeare
VERSIÓN: Miguel del Arco
INTÉRPRETES: Israel Elejalde, Ángela Cremonte, Cristóbal Suárez, José Luis Martínez, Daniel Freire, Jorge Kent y Ana Wagener.
DIRECCIÓN: Miguel del Arco

Empiezo esta reseña con una confesión: "Hamlet" no es la obra de Shakespeare que más me gusta. No he leído todas las que escribió el bardo de Stratford, pero sí unas cuantas, y de entre sus tragedias creo que me quedo con "El Mercader de Venecia".

En cualquier caso, los montajes de Kamikaze Producciones siempre son un acontecimiento, así que hace meses compré mi entrada para ver su versión del príncipe de Dinamarca con un poco de miedo, eso sí, porque sabía que Helena Pimenta había colaborado en el montaje, y hace ya muchos años yo había visto una versión suya de "El sueño de una noche de verano" que, sinceramente, no me gustó.

¿Con qué me he encontrado esta vez? Ante todo y sobre todo con un elenco sobresaliente, sin su entrega y maestría esta función no sería lo mismo. En cuanto a la versión en sí, firmada y dirigida por Miguel del Arco, he de decir que me ha gustado bastante, aunque creo que en la escena de la locura de Ofelia, el reggaeton sobraba.

Por lo demás creo que Miguel del Arco ha sabido conservar bien todo el esqueleto de la obra y la ha adaptado consiguiendo que no perdiera su esencia, lo que no es nada fácil ante un texto de semejante envergadura.

Además, tengo que reconocer que han conseguido arrancarme más de una sorisa y hacer presente un humor que yo no había sido capaz de percibir en el texto al leerlo. En este sentido creo que eso le aporta una frescura a la función que se agradece.

A pesar de todo creo que puestos a adaptarla, a la función le hubiese venido bien un pequeñito recorte y que el público hubiera agradecido una versión con 10 o 15 minutos menos.

Una vez más nos encontramos ante un triple salto mortal de los Kamikazes del que consiguen seguir ilesos y siempre dispuestos a seguir sorprendiéndonos.


domingo, 21 de febrero de 2016

Wilde a ritmo de salsa

Windermere club





TÍTULO: "Windermere Club"
AUTOR: Oscar Wilde
VERSIÓN: Juan Carlos Rubio
INTÉRPRETES: Natalia Millán, Susana Abaitua, Teresa Hurtado de Ori, Efrain González, Emilio Buale y Harlys Becerra
DIRECCIÓN: Gabriel Olivares


Oscar Wilde era un genio. Un hombre ocurrente e ingenioso con el que daría gusto pero también un poco de miedo tomar una copa. Ver una obra suya representada sobre un escenario siempre es un placer. En esta ocasión he tenido la oportunidad de ver una versión muy especial de “El Abanico de Lady Windermere” firmada por Juan Carlos Rubio.

Como el propio Rubio confiesa en el programa de mano, para adaptar esta obra comenzó por quitar cosas y añadir otras de su cosecha, por eso este “Club Windermere” no transcurre en la Inglaterra victoriana sino en el Miami de hoy en día, una ciudad con un enorme mestizaje, un clima cálido y todas las innovaciones tecnológicas que en esta sociedad globalizada están al alcance de todos.

La verdad es que no sé si era necesario introducir tantos cambios en un texto ya de por sí sobresaliente transcurra dónde y cuándo transcurra. Cuando cambiamos algo tenemos que intentar que sea para mejor y si nos enfrentamos a un texto de Wilde la tarea puede resultar cuasi titánica.

En cualquier caso, sí estoy de acuerdo en que a la hora de conseguir que el público llene las salas de los teatros puede ser efectivo traer un texto clásico a la época actual y darle otro ritmo, cosa que en este caso se consigue con una banda sonora muy salsera que vemos bailar con soltura a todos los intérpretes desde Natalia Millán a Emilio Buale.

La función está salpicada de las ocurrentes frases de Wilde y una sonrisa se dibuja en los labios del respetable al identificar esas sentencias tan certeras y tan llenas de mala leche.

Quizá a pesar de que a mí me encanta escuchar cómo suena el español de otras latitudes, me ha sobrado un poco esa mezcla de acentos que eso sí, lograba arrancar más de una carcajada. Cuando un texto es tan estupendo como el de Wilde tengo la impresión de que no son necesarios más artificios.

Eso sí, la obra resulta tremendamente entretenida y se pasa en un pis pas. Además, ver que cuando baja el telón, parte del público abandona la sala bailando, es una auténtica gozada.

domingo, 14 de febrero de 2016

Páncreas, amistad al límite

páncreas


TITULO: "Páncreas"
AUTOR: Patxo Tellería
DIRECCIÓN: Juan Carlos Rubio
INTÉRPRETES: Fernando Cayo, Alfonso Lara, José Pedro Carrión


Raúl, César y Javilo son muy amigos. Se conocieron en una terapia de grupo donde salieron a relucir todas sus debilidades, por lo que se conocen bien. Ahora Javilo está enfermo y sólo un trasplante de páncreas podría salvarle. Dado que Raúl ha decidido suicidarse cuando cumpla 60 años y ya sólo queda un año para eso, César intenta convencerle para que adelante el plazo y aproveche para salvar así la vida a su amigo Javilo donándole su páncreas.

Esta es la disparatada situación de la que parte “Páncreas”, la comedia negra escrita por Patxo Tellería que tanto éxito tuvo durante sus representaciones en versión original en euskera, y que ahora se representa en castellano por toda la geografía española interpretada por Fernando Cayo, Alfonso Lara y José Pedro Carrión.

Hasta ahí todo normal, una comedia negra de éxito. Pero es que “Páncreas” es algo más, es una comedia en verso. Siendo el castellano y el euskera dos idiomas tan distintos, me puedo hacer cargo de lo complicado que ha tenido que ser para Patxo Tellería hacer la traducción al castellano sin que el texto pierda su sentido y su musicalidad. No he visto la versión en euskera pero creo que lo ha conseguido. “Páncreas” es una función tremendamente amena que hace reír y al mismo tiempo reflexionar al espectador y que funciona en todos los aspectos como un verdadero mecanismo de relojería.

Una de las claves de ese buen funcionamiento es sin duda el texto, la otra, sus intérpretes: a Fernando Cayo, Alfonso Lara y José Pedro Carrión no les sobra ni les falta nada a la hora de dar vida a estos tres amigos que se quieren y compiten entre ellos a un tiempo.

Sin duda la dirección de Juan Carlos Rubio ha ayudado también a conseguir el tempo adecuado para contar esta historia, que con toda seguridad seguirá dando al equipo enormes satisfacciones.

En varias ocasiones he intentado romper una lanza en este blog por el teatro en verso. Suelo defender que el teatro clásico se hacía en verso e incluso las clases más bajas carentes de formación lo entendían y disfrutaban. En esta ocasión no se trata de teatro clásico, sino de un texto actual que puede ser un buen bautismo como espectador de teatro en verso para todos aquellos que aún no han sido capaces de perderle el miedo. Cualquiera que vaya a ver esta función disfrutará y acabará olvidando que no está en escrita en prosa.

No voy a decir nada más. Simplemente que “Páncreas” es un espectáculo redondo que merece todo el éxito que pueda tener.

domingo, 7 de febrero de 2016

Adentro o tabús familiares




TÍTULO: "Adentro"
AUTORA: Carolina Román
DIRECCIÓN: Tristán Ulloa
INTÉRPRETES: Araceli Dvoskin, Carolina Román, Nelson Dante, Noelia Noto



Tenía muchas ganas de ver “Adentro” la obra escrita y protagonizada por Carolina Román y dirigida por Tristán Ulloa. Mis ansias por verla respondían fundamentalmente a 2 razones: que hace un año dsifruté muchísimo con “Enconstrucción” creada por el mismo equipo, y que la temática a tratar, la vida de una familia vista desde dentro con sus luces y sus sombras, es un tema que siempre me ha resultado atractivo tanto en cine y teatro como en literatura.

Así que allí que me fui y me senté en la butaca del teatro llena de buenas vibraciones y altas expectativas. En la mayor parte de las escenas de la función los personajes se nos presentan dos a dos y no es hasta el final en que todos los intérpretes están a la vez en escena. Poco a poco vamos adentrándonos en la vida de esos seres humanos como testigos mudos y a veces un tanto impotentes.

Existe un conflicto en esta función, bueno, existen más, pero uno es el principal y el que impregna todas las escenas aunque nunca se mencione. Ese silencio opresor, ese tabú es el que hace que la atmósfera se perciba a veces como irrespirable. En este sentido, tanto el texto como la pericia de los intérpretes juegan a favor de la historia indiscutiblemente.

Pero en cuanto a la resolución de la historia tengo que reconocer que me dejó fría. La verdad es que me hubiese gustado que la función tuviera una duración mayor y que el conflicto hubiera llegado a explotar y salir a la luz. Yo como espectadora lo hubiera agradecido.

En cualquier caso, entiendo que es una opción de la autora desarrollar la historia de esa forma y darle ese final. Un final que nos hace ser conscientes de hasta qué punto muchas veces los problemas y los conflictos no salen a la luz sino que permanecen latentes y escondidos condicionando nuestra vida.

Una función para reflexionar. Eso sí, si tuviera que elegir, me quedo con "En construcción".


domingo, 31 de enero de 2016

Cuando deje de llover, todo un rompecabezas teatral




TÍTULO: "Cuando deje de llover"
AUTOR: Andrew Bovell
TRADUCCIÓN: Jorge Muriel
DIRECCIÓN: Julián Fuentes Reta
INTÉRPRETES: Jorge muriel, Pilar Gómez, Consuelo Trujillo, Pepe Ocio, Susi Sánchez, Ángela Villar, Felipe G. Vélez, Ángel Savín/Francisco Olmo, Borja Maestre

Creo que ya he dicho varias veces en este blog que para que la magia del teatro se produzca sólo hacen falta 3 cosas: una buena historia, buenos actores y público. Pues bien, “Cuando deje de llover” las tiene, y por eso al verla sobre un escenario no puede sino surgir la magia.

En primer lugar la magia de su historia: la historia de unos personajes unidos pese a las diferencias de tiempo y espacio, ya que la obra transcurre entre Europa y Australia y entre 1959 y 2039. Los saltos temporales son continuos y tienen mucha importancia a la hora de lograr impactar al espectador. Estamos ante una historia tremendamente compleja aunque en el fondo es bastante simple. Sé que esto que digo puede parecer contradictorio pero no lo es y el que la haya visto comprenderá seguramente a qué me refiero.

En segundo lugar la magia de sus intérpretes: 9 actores y actrices al servicio de una historia. Estamos ante una historia bastante coral y por eso es difícil destacar a unos sobre los otros. Todos interpretan su papel con eficacia, dando el toque justo a cada una de sus intervenciones y consiguiendo así mantener en vilo al público.

En tercer lugar la presencia del público, y no sólo su presencia pasiva como meros espectadores sino su presencia activa. No me refiero a que te vayan a sacar al escenario, que nadie se asuste, no hay nada de eso. El público permanece observando en su butaca como en cualquier otra función, pero su cabeza no para quieta, no deja de atar cabos y hacer suposiciones acerca de las pequeñas pildoritas y pistas que los personajes de la obra van dejando por aquí y por allá como Pulgarcito dejaba miguitas de pan para poder volver a casa. El que no esté dispuesto a comerse un poco la cabeza durante la función que no se gaste el dinero de la entrada porque es probable que acabe perdiéndose.

Con esto que he dicho no quiero desanimar a nadie, al contrario, creo que es una obra que todo el mundo debería ver al menos una vez, si son dos o más mejor que mejor, porque estoy segura que a pesar de toda la atención que el espectador pueda poner, si la ve una segunda vez podrá hacer algunas lecturas complementarias de la misma.

Este texto del australiano Andrew Bovell traducido por Jorge Muriel, merece más de una lectura y desde luego más de un visionado. No quiero desvelar nada más de la función pero espero haber picado vuestra curiosidad y que os acerquéis a verla si tenéis la oportunidad. Está de gira.